Revista Lucarna

Una Mirada sobre las artes emergentes

Poesía + Fotos para todos los gustos

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Libros para leer en otoño

En la arena, el pasto... o el asiento del colectivo

Usted Está Aquí, de Natalia Chami y Romina Bulacio Sak

Entrevista a las creadoras de esta impredecible experiencia teatral

Lunas Cautivas – Historias de poetas presas, de Marcia Paradiso

Documental sobre tres mujeres, tres historias y un penal

3° Edición del Festival internacional de circo independiente (Agenda)

 Del 27 de octubre al 5 de noviembre se presentará, para toda la familia, la tercera edición del Festival Internacional de Circo Independiente, presentado por El Galpón de Guevara y Proyecto MIGRA. 

Este año se amplía el panorama de circo independiente: bajo la curaduría de Leticia Vetrano, el festival presentará compañías de circo contemporáneo de Europa y Latinoamérica, al igual que tres estrenos nacionales de artistas como Germán Cabanas y Juan Pablo Gómez.

Nueve espectáculos que nos acercan el estilo de vida nómade del circo y su filosofía, a través del humor, las acrobacias, el lenguaje corporal, el ritmo, las emociones y la acción.

Compartimos debajo la agenda completa del evento:


Pre-FICI 2017: miércoles 4 y jueves 5 de octubre, 21 hs.
Función: "Les Rois Vagabonds" (Francia). Duración: 70 min. Público: A partir de 8 años. Entrada: $250

Estreno FICI 2017: viernes 27 de octubre:
21 hs. "Persistencia (Más allá del Tiempo)" de Germán Cabanas, Cia. Prix d'Amix (Estreno, Argentina). Duración: 60 min. Entrada: A la gorra.
23 hs. "Varieté Experimental". Duración: 60 min. Público: ATP. Entrada: $250

                                           

Funciones:

* sábado 28 de octubre:
23 hs. "SobreTudo" de Emerson Noise, Cia. Lar Doce Lar (Brasil). Duración: 50 min. Entrada: A la gorra.

* miércoles 1° de noviembre:
21 hs. "Respire", Cia. Circoncentrique (Bélgica, Francia, Italia). Duración: 60 min. Entrada: $250

* jueves 2 de noviembre:
21 hs. "Respire", Cia. Circoncentrique (Bélgica, Francia, Italia). Duración: 60 min. Entrada: $250

* viernes 3 de noviembre:
21 hs. "Solos combinados", Colectivo Clo + Luis Musetti (Uruguay). Duración: 95 min. Entrada: A la gorra.
23 hs.  "Ye Orbayu", Cia. Vaques (España). Duración: 50 min. Entrada: $250

* sábado 4 de noviembre:
20 hs. "Antes Crudo", Cia. Nido (Estreno, Argentina). Duración: 40 min. Entrada: A la gorra.
21:30 hs. "Recorte de Jorge Cárdenas cayendo", Cia. Terceto (Estreno, Argentina). Duración: 40 min. Entrada: A la gorra.
23:30 hs. "Ye Orbayu", Cia. Vaques (España). Duración: 50 min. Entrada: $250

* domingo 5 de noviembre:
20 hs. Gala de cierre "Varieté Migra". Duración: 75 min. Entrada: A la gorra.

Lugar: El Galpón de Guevara (Guevara 326, Chacarita, CABA)
Entrada: $250 / combo dos obras: $400
Reservas: 4554 9877 

FICHA TÉCNICA FICI 2017
Curaduría: Leticia Vetrano
Producción internacional: Pierpaolo Olcese 
Prensa: OCTAVIA Comunicación 
Coordinación: El Galpón de Guevara y Proyecto MIGRA



SOBRE LOS ARTISTAS Y OBRAS


"Les Rois Vagabonds" (Francia)
Concierto para dos clowns. Programa: Vivaldi, Strauss, Bach... pero los músicos son clowns.
Les Rois Vagabonds: ¿Clowns tradicionales ó clowns novedosos? Ante todo son «poetas en acción», según la bella formulación de Henry Miller.

Nos dan alas para recorrer en su compañía una parte de nuestro camino de humanidad. Pues los clowns no interpretan una comedia. Si tienen una nariz roja o la cara pintada de blanco y ropa extravagante, es para revelarse mejor.

Pantomima, acrobacias, música, son sólo algunas palabras. Les Rois Vagabonds hablan un lenguaje universal. Sea lo que uno sea, un viejo filósofo o un niño pequeño, uno se sorprende, se maravilla, se ríe, se conmueve.

Ficha Técnica
De y por Igor Sellem y Julia Moa Caprez
Realización técnica: Sacha Pinget, Florian Euvrard
Producción: Les Rois Vagabonds
Patrocinio: región de Franco Condado, departamento francés de Jura, municipalidad de Chaux des Crotenay
Video: Les Rois Vagabonds 
Premio del público 2013 del festival OFF de Aviñon.

"Persistencia (Más allá del Tiempo)" de Germán Cabanas, Cia. Prix d'Amix (Estreno, Argentina)
Comunicación e incomunicación, masculino y femenino, luz y oscuridad, opuestos que chocan en escena revelando una mirada de la sociedad en que vivimos.

Teatro físico, danza, acrobacia, son parte del lenguaje de esta puesta en escena que nos conecta con lo más primitivo del ser humano.

Llega un momento en la vida de estos cinco personajes en el que deberán enfrentar a sus fantasmas, más allá del tiempo.

Ficha Técnica
Autor: Germán Cabanas
Intérpretes: Mariana Banfi, Bárbara Alonso, Bruno Aragón, Nelson Iván Simonelli, Germán Cabanas
Diseño de Iluminación: Ariel “Gato” Ponce
Diseño de vestuario: Marisol Castañeda
Dirección técnica: Santiago Castello
Operación de sistemas: Jerónimo Casares
Stage Manager: Agustín Maccione
Producción: Gastón Caminotti
Producción Integral: Prix D'Ami

"Varieté experimental"
Artistas de circo emergentes, atravesados por la mirada de un director invitado.

A través de un proceso de investigación y montaje realizado la semana previa al festival, se llevarán a escena propuestas de artistas independientes ensambladas y adaptadas por el equipo creativo de Proyecto MIGRA.

Ficha Técnica
Dirección: Tato Villanueva
Asistencia de dirección: Florencia Valeri
Coreografía: Gabriela Parigi

"SobreTudo" de Emerson Noise, Cia. Lar Doce Lar (Brasil)
Un hombre solo en la historia del mundo. El hombre se ve animal antes de su memoria. Inventa la reconstrucción de la ciudad devastada. Los restos de la memoria obsoleta y los residuos de polvo, trata de arriba. 

Es la huella de la humanidad, escondido en pequeños trozos, dijo territorios, pequeña tierra en la inmensidad del planeta. Revive tu infancia como un hombre adulto, como un caballo en el trote, y paseos en la inmensidad de campos inventados. Donde una vez fue la ciudad ahora amplia soledad piedra sin remover de edificios arañados, el cielo hoy, lame el suelo, hay montañas de sombras historia de apartamentos pequeños que eran guetos. Donde toda la historia es decir, en la pérdida de lo que se podría decir que es la suya. 

El pasado ya dudoso, está casi imperceptible. Sobre la magia se visten con elegancia, todo el día, sale de su casa inventada, como un ritual de un día perdido. De la casa a la calle desierta, sin transeúntes. Todo al mismo tiempo que observan. El público. El último de un malabarista solitario, fuera de los circos de caravanas, viajes gitanos. Música, sólo existe la memoria. Melodías olvidadas e instrumentos. Los instrumentos que aún no existen más. Las puntuaciones perdidas durante el incendio. Existe sólo en sus recuerdos musicales.

Ficha Técnica
Dirección: Carol Cony
Cast: Emerson Noise
Vestuario: Florencia Santágelo y Caro Pierro
Iluminación: Tabatta Martins
Escenario: Dodô Giovanetti y Palhassada Atelier
Música: Tomas Oliveira y Cisco Vasques

"Respire", Cia. Circoncentrique (Bélgica, Francia, Italia)
Humor, poesía, emoción, técnica, originalidad, virtuosismo para un espectáculo que gira en redondo!

Como la inspiración deja espacio para la exhalación, dos hombres actúan e interactúan en rotaciones cautivadoras.

Expresión del cuerpo, destreza técnica y perpetuas sorpresas, los artistas crean un universo íntimo y misterioso gracias a la manipulación de lámparas-objetos.

"Respire" es una aventura circular que te llevará a un torbellino acrobático y poético al ritmo de la respiración. 

Ficha Técnica
De y por Alessandro Maida y Maxime Pythoud
Música original: Lea Petra
Pianista: Lea Petra ó Isil Bengi
Difusión: Cécile Imbernon

"Solos combinados", de Colectivo Clo + Luis Musetti (Uruguay)
"Solos combinados" ofrece al público la posibilidad de vivenciar dos abordajes unipersonales de integración del circo con otras disciplinas. Dos espectáculos diferentes en una misma función, separados por un intervalo de 20 minutos: "Tra-Tra" de Colectivo Clo + "Sencillo" de Luis Musetti.

"Tra-Tra" integra circo, performance y danza. 
Nos embarca en un universo estético inspirado en las realidades aumentadas y los videojuegos. Plantea la reflexión sobre el vínculo que construimos con los dispositivos celulares, en dirección a la idea de tecno-cuerpo. Un discurso abierto cargado de signos de esta contemporaneidad cuya intención principal es generar tensiones de pensamiento y afecto.

"Sencillo" reúne circo, música y teatro. 
Emilio es cantautor, guitarrista, violinista y telista. Tiene mucho para decir pero no sabe cómo. Hace muchas cosas, quiere hacerlas todas al mismo tiempo y sus buenas intenciones se chocan con su torpeza. Todo puede ser más sencillo de lo que parece, pero no todos estamos en condiciones de verlo así. 

Ficha Técnica 
"Tra-Tra"
Creación: Colectivo Clo
Dirección, Coreografía e intérprete: María Noel Rosas
Diseño de luces y Puesta en Escena: Leticia Martínez
Música: Bruno Tognola 
"Sencillo"
Canciones, texto y coreografía aérea: Luis Emilio Musetti.
Asesoramiento en puesta en Escena: Patricia Dalmás, María Dodera.
Diseño de luz: Irene Willat 

"Ye Orbayu", Cia. Vaques (España)
...un espectáculo de Circo Rural Trash...
Un par de hombres maduros y contundentes junto a un músico polivalente crean una pieza desequilibrada, agradecidamente grotesca, una danza desacompasada de bestias desoladas, un dúo de clowns desfasados tratando de seducir, y seducirse... haciendo equilibrios sin trampa sobre mesas, sillas y botellas de cava.

Dos mamarrachas que viven la vida como si estuvieran dentro de 'Miedo y asco en Las Vegas' (de H. S. Thompson) pero con la acción trasladada a Benidorm y aquel mugir de vacas asturianas como banda sonora, la cara de la Piquer, y alguna sinfonía de Dvorak.

Ficha Técnica
Idea: Cia. Vaques ( J.L. Redondo / J. Albuerne)
Dirección: no tenemos… vamos a la deriva…
Intérpretes: Jose Luis Redondo, Xabi Eliçagaray, Jorge Albuerne
Música en directo: Xabi Eliçagaray
Espacio escénico y sonoro:  Xabi Eliçagaray y cia. Vaques
Vestuario: cia. Vaques y la madre de Celso
Iluminación: Luis Nevado "Luisillo" y cia. Vaques
Acompañamiento escénico: Fátima Campos, Rob Tannion
Video: Tristán Pérez Martin, Mc Shalbert Productions, Katarina da Costa
Fotos: Alessia Bombaci, Marta García Cardellach, Miguel Ángel García
Agradecimientos: al Antic Teatre, Tub D’Assaig, Fira de Circ de la Bisbal, a la mucha buena gente que nos apoya, que lo sabe y que no necesita aparecer en los programas de los teatros y a la nuestra “tierrina”: Asturies…
Coproducido por Antic Teatre y nuestros otros trabajos
Soporte a la creación: gente colgada y la Central de Circ.

"Antes Crudo", Cia. Nido (Estreno, Argentina)
Un hombre y una mujer ponen frente a la mirada de los espectadores distinta situaciones en las que los seres humanos nos encontramos siendo manejados y envueltos por relatos y versiones de la realidad que no son propias. Su cruda realidad está siendo elaborada y reversionada por otros, conduciéndolos a un sinfín de situaciones absurdas no muy distantes a las de cada día en esta sociedad.

Ficha Técnica
Idea y creación: Cia. Nido
Intérpretes: Juan Fernández y Sofía Galliano.
Dirección y acompañamiento artístico:  Ana Osella y Miguel Bosco.
Producción: Cía. Nido y Belén Grassini.
Co-Producción: FESTIVAL INTERNACIONAL DE CIRCO INDEPENDIENTE EN BUENOS AIRES (FICI).
Apoyan: Ministerio de Innovación y Cultura de Santa Fe y Casa Laboratorio Quetral.

"Recorte de Jorge Cárdenas Cayendo", Cia. Terceto (Estreno, Argentina)
"Recorte de Jorge Cárdenas cayendo" articula los lenguajes de la danza contemporánea, el circo y el teatro para seguir la huella que los acontecimientos del 19 y 20 de diciembre de 2001 en Argentina dejaron en los propios intérpretes. La apuesta del grupo es doble: por una parte, abandonar los lenguajes aprendidos para desplegar las marcas que la muerte ajena y los hechos de gran resonancia social, han dejado en la intimidad de sus cuerpos. Por otra parte, construir, a partir de esa búsqueda, la experiencia de lo propio: el cuerpo como encrucijada entre lo íntimo y lo público, un campo de batalla donde se define qué es “lo mío” y qué “lo nuestro”.

Ficha Técnica
Interpretes: Florencia Montaldo, Patricio Testolín, Pablo Iván Censi
Dirección: Juan Pablo Gómez
Asistente de dirección: Sofía Etcheverry
Colaboración coreográfica y entrenamiento: Bárbara Alonso / Martina Kogan
Composición musical: Fernando Toth
Diseño de Iluminación: Matías Alejo Sendon
Diseño de Vestuario: Paola Delgado
Diseño Gráfico: Belén Saralegui
Producción ejecutiva: Germán García / Luciana Sanz
Idea y dirección general: Juan Pablo Gómez y Compañía Terceto

Gala de cierre - Varieté MIGRA

Una programación variada de números contemporáneos de circo. Se presentarán artistas nacionales e internacionales, con gran trayectoria en festivales y teatros de todo el mundo, dándole la mejor de las clausuras al festival.

Sobre Proyecto Migra

Una carpa. Un teatro itinerante en todo el país.
Programación artística y espacio de creación.
Bienes culturales, empleo, diversidad y público.
Un centro cultural en movimiento.

Proyecto MIGRA es un Polo Cultural Móvil abierto a toda la comunidad, que promueve el intercambio socio-cultural, la descentralización y la federalización del arte.

Somos una cooperativa de trabajo cultural integrada por artistas, docentes y generadores de proyectos culturales con una amplia experiencia en el circuito nacional e internacional. Migra es un espacio que se modifica y recrea cada vez que llega a un nuevo destino. Migra crea vínculos con la comunidad cultural local para dar espacios de visibilidad, intercambio y aprendizaje.

Gestamos un espacio de formación, creación y difusión de las artes basado en la articulación federal, atravesado por diferentes contextos, creadores y públicos adaptándosea sus demandas, realidades y necesidades para generar un intercambio descentralizador de la cultura. Buscamos obtener un canal de encuentro para grupos y artistas de todo el país y favorecer la construcción de historia, tradición y trabajo artístico colectivo y democratizador de los bienes culturales. 


Sobre Pierpaolo Olcese

Nacido en Cambridge (UK), estudia en la Universidad de Londres Historia e Historia del Teatro. Trabaja como asistente de dirección por varios años en los teatros Vidy de Lousanne, Chaillot de Paris, con importante maestros de la escena internacional: Benno Besson, Jerome Savary, Zadeck, y Robert Wilson, entre otros. Con Robert Wilson es el responsable de la gira internacional. Desde 2008 vive en Buenos Aires donde es fundador, con Mariano Pagani, y director del espacio Teatral El Galpón De Guevara. Produjo Tempeste (Teatro 25 de mayo), El Dique (Camarín de las Musas), coprodujo Maldita Canalla de Finzi Pasca (Polo Circo), El dealer manda de Patrick Marber. Producción ejecutiva y programación artística del Festival Internacional de Teatro Outis, Piccolo Teatro Milan (2001/08). Director artístico del Teatro Abitato de Milán (1996/2001). Producción y dirección de "Il Giocatori" de Gogol, Teatro Libero, Piccolo Teatro Milano; "Il Passaggi dell'Angelo", de Gaston Salvatore, Teatro Arsenale.

Sobre El Galpón de Guevara


El Galpón de Guevara es un nuevo teatro independiente ubicado en Guevara 326, en el tradicional barrio de Chacarita. Creado con la idea de albergar obras de teatro físico, danza aérea y acrobacia, genera en Buenos Aires un espacio único y exclusivo para este tipo de disciplinas. Si bien en Buenos Aires se desarrolló el teatro aéreo y la acrobacia, son muy pocos los espacios en la ciudad donde los artistas que vienen de importantes experiencias profesionales puedan presentar sus espectáculos.

El nuevo espacio es de 1300 mts2, cuenta con una sala de teatro para 350 espectadores acondicionada especialmente para presentaciones de teatro físico y danza aérea y acrobacia, equipada con tecnología de primer nivel para desarrollar cada una de las actividades. En su amplio lounge, los asistentes podrán tomar un trago antes de comenzar el espectáculo, o incluso jugar un partido de ping pong o metegol.

El Galpón de Guevara es un proyecto de Pierpaolo Olcese y Mariano Pagani, que tiene como fin ser un espacio en el cual el teatro y todas y cada una de sus variantes tengan un lugar excluyente.

Con “El Galpón de Guevara” Buenos Aires no tiene otra sala más, sino un verdadero lugar único.


El mal que aqueja, de Luciano Borges (Teatro)



 Por Celina Ballón.

El tren se mueve poniendo a prueba cada una de las vértebras de su columna, pero la Actriz se las ingenia para hablar a pesar de eso – y también del ruido. Podrían seguir andando infinitamente porque en esa tierra parece haberse borrado la línea del horizonte, pero en algún momento hay que detenerse. La necesidad manda. Es el Director quien da la voz de alto y poco después formula la pregunta inevitable: ¿adónde estamos? La Actriz responde, con los ojos brillantes: “En el inicio, donde todo es voluntad”. La tierra parece entonces un papel en blanco para escribir a gusto, pero enseguida aparece el capitán de caballería Vicente Dota, que huye de los indios que dispersaron a su tropa y está obsesionado con construir una segunda zanja de Alsina. El Director no lo duda: este es el actor que necesita su circo. Comienza entonces un delirio donde nadie parece ser quien es: el militar se prueba la identidad de un payaso, la Actriz se comporta como una maestra nostálgica de tiempos mejores y el Director – que no tiene un mísero ladrillo – calcula los escalones de su teatro mientras sueña con ver al presidente en el palco. A los tres prófugos los ronda la angustia de lo perdido y la posibilidad de escapar. Después de todo, la tierra es lo único que nunca se acaba.


Lo primero que merece destacarse de El mal que aqueja es su rica intertextualidad. Luciano Borges cita a Sarmiento -su perenne obsesión con el  desierto-  y a Schopenhauer -la vida como tránsito perpetuo hacia sitios provisionales que sólo brindan desilusión-, pero los interlocutores de la pieza son sin duda muchos más. 

Los hombres de El mal que aqueja no leyeron el Plan de Operaciones, pero llevan el mapa de la Nación escrito en el cuerpo. Saben, en carne propia, lo que Moreno advierte: que los cimientos de una nueva república nunca se han cimentado sino con el rigor y el castigo.

 

La obra es exigente, demanda la completa atención del espectador. Cuando termina algo queda en suspenso en los largos segundos que anteceden al aplauso. Se notan el compromiso de los actores y el cuidado del vestuario, acorde con la época y el carácter de los personajes. Tiene, asimismo, una interesante propuesta sonora, posible gracias a la pericia musical de los intérpretes. Y formula una pregunta que tiene la inteligencia de no responder: ¿cuál es el lugar del teatro en esta historia?

Dónde: El Excéntrico de la 18º. Lerma 420. Teléfono: 4772-6092.
Cuándo: Sábados a las 22:30.
Cuánto: $200/$160.


Ficha técnico-artística
Dramaturgia: Luciano Borges.
Texto: Luciano Borges, Renata Moreno, Tomás Raele, Gonzalo San Millan.   
Actúan: Renata Moreno, Tomás Raele, Gonzalo San Millan.
Peinados: Cecilia Gómez García.
Maquillaje: Cecilia Gómez García.
Diseño de vestuario: Cecilia Gómez García.
Diseño de luces: Iván Nirich.
Realización de vestuario: Cecilia Gómez García.
Música: Luciano Borges, Renata Moreno, Daniel Quintas, Tomás Raele, Gonzalo San Millan.
Entrenamiento corporal: Jazmín Titiunik.
Entrenamiento musical: Daniel Quintas.
Asistencia de dirección: Claudio Bagnato.
Colaboración coreográfica:  Jazmín Titiunik.
Fotografía: Andrés Manrique. 
Dirección: Luciano Borges.

El jerarca, de Igón Lerchundi y Franco D'Aspi (Teatro)

 


Por Victoria Cestau


Mimoteatro es un teatro independiente, ubicado en la calle Defensa del barrio de San Telmo, que funciona -además- como escuela de un lenguaje revolucionario. Un espacio espiritual, como dice Igón. La historia de este lugar y sus fundadores es la muestra viva del poder del amor.

Un actor. Un actor solo en escena. Un espacio vacío


Sus ojos color mar y sus manos expresivas habitan todo el escenario. La proyección de su cuerpo es sobrenatural: sus pasos, los tiempos, los movimientos suaves de un cisne. Se apodera de la naturaleza. 
Sentado detrás de mí está el director, nada más y nada menos que el gran maestro Igón Lerchundi, el pionero junto con Roberto Escobar del Mimo en Argentina.

Primer acto: El funeral


Franco D’Aspi, el actor mimo, despliega un talento conmovedor. Cuenta la historia real de Igón, sus vivencias, su dolor, su alegría. Una butaca atrás, escucho cómo se emociona el maestro, sus lágrimas recorren aquel pasado habitado por este presente sublimado en arte refinado. Yo lloro también. 

La energía que corre en la sala hace de esta obra una experiencia para el público. La niñez de quien escuchó bombas, de quien tuvo hambre y frío, de quien bailó para no sufrir, de quien cantó para no marchitar. Todo en El jerarca es tan fuerte y poético al mismo tiempo; es otra realidad que nos invita a sumergirnos en otra dimensión. 
La calidad del trabajo lumínico pinta la escena como un lienzo. Desde la cabina, la sensibilidad también tiene su lugar en la escena. La música es bella y nos transporta también, todo lo que se escucha está decididamente diseñado. 

El cuidado de todos los detalles hace de esta obra de arte un mundito todo completo. 

Segundo acto: El maqui


El recurso finamente utilizado de la proyección. El diálogo de ambas artes es reflejo de otra muestra de saber lo que se quiere expresar, cómo, por qué, hasta dónde. El juego de los encuadres y de las acciones físicas. El teatro puede ser filmado también, asistimos a una mezcla de lenguajes, un lugar increíble. 

Tercer acto: La rutina de un jerarca


La composición que realiza el director junto al actor es devastadora. Aquel actor que fue un niño, una madre y un mundo atravesado por la guerra, ahora es el dictador más despreciable. El Cisne ahora es un Dragón. El cuerpo del actor devela la contracara. El lenguaje es corporal, sumamente expresivo. No hay palabras, el silencio es más potente, las imágenes como cataratas empiezan a contar otra historia, la historia del otro. 

“La dinámica del recuerdo es más importante que el propio recuerdo” (Lecoq, El cuerpo poético, 1997). 


Fino, elegante, bello en su horror; los golpes, la precisión del movimiento, la violencia ilustrada con tanta estética. Las líneas de movimiento generan una dinámica, una música en el cuerpo, la partitura está en cada mínimo detalle, en cada músculo. Y ante tanta técnica perfeccionista, la emoción desborda, el cuerpo está vivo, los sentimientos se adueñan. Una magnifica clase no sólo de teatro, sino de la vida.

En primera persona


Salí de la sala emocionada y angustiada. Aún conservo un pequeño dolor en el pecho. La función del arte es maravillosa. No ha pasado mucho tiempo de esta atrocidad. Cruzo la vereda, miro las antiguas calles de San Telmo, veo sus adoquines, ¿cuánta historia, no? Y, sin embargo, no hemos aprendido nada. 

Miro hacia arriba, la humedad y la niebla cubren el cielo de Buenos Aires. La pregunta de la humanidad vuelve a tener otro nombre, pero es la misma pregunta que cava en lo profundo: ¿Dónde está Santiago Maldonado? ¿Dónde están todos aquellos que no están? ¿Por qué somos tan crueles? Por qué.



Cuándo: Viernes 21:00. 
Dónde: Mimoteatro (Defensa 611 - CABA). Teléfono: (11) 4342-9411. WhatsApp: 11-6031-9349. 
Cuánto: Entrada general, $200. Estudiantes y jubilados, $150.


Ficha técnico artística

Creación: Igón Lerchundi, Franco D'Aspi.
Actor: Franco D'Aspi.
Diseño sonoro: Mariano Abrate.
Realización de escenografía: Darío Tarasewicz.
Preparadora vocal: Mónica Puente.
Asesoramiento en danza vasca: Juan Martín Vicente, Iñaki Galardi de Lescano.
Máscara y accesorios de vestuario: Alfredo Iriarte, Gabriela Guastavino.
Diseño gráfico: Javier Choi, Federico D'Aspi.
Luces y sonido: Stefany Briones Leyton.
Dirección: Igón Lerchundi.

Reloj de Sol, de Susana Grimberg (Poesía)




Reloj de sol.
De lunas insinuantes. 

(destiempos – contratiempos). 

El tiempo gira.

  


Un pasado que no se escribe
no inscribe la vida.  



Giran los años, 
las vueltas del tiempo. 

Alto, firme, leal.
Muslos como pilares. 

Fuerza
en las manos inquietas.

Su sello,
          
el nombre.



La conoce a la vuelta del destino.
Otra princesa,
deseante blancura.

La descubre, desea, ama.

(Rumor). 

Pálida. 
Deseante blancura.  
Resplandecen en su piel  
verdades mentirosas.

La del nombre de princesa,  
la que hizo de la mentira su causa, 
la del goce de morir sin amor. 

La princesa y él. 
Ella, la de nada que la ligue a la vida. 
Él, 
fin del juego.

Medusa, esfinge,  
Palidez. 
  
Trampa del goce.

Gira sobre sus pies 
sin volver a mirarla. 



La vida pone 
barreras a la vida.

(La vida, no, 
la muerte).

La muerte inventa celdas.
Encierra en ellas.

(La muerte no, 
la vida).


De Segunda parte, Reloj de Sol en Geometría de la libertad.

Un poco sobre Susana Grimberg
Oriunda de la provincia de San Juan. Psicoanalista, escritora y columnista, escribió notas para los diarios Página 12, La Nación, Primera Edición (Misiones), Diario de Cuyo (San Juan) y la revista Debate.

Desde hace 25 años es colaboradora de Comunidades, periódico judío independiente. Durante su carrera profesional investigó sobre el pensamiento judío y redactó más de 200 artículos sobre política, con el psicoanálisis como marco teórico de referencia. Sus contribuciones teóricas como psicoanalista fueron publicadas por la Escuela Freudiana de la Argentina.

Posee una amplia trayectoria en radio: actualmente es programadora y conductora de “A la vuelta” en Radio Sentidos en la que habla sobre los malentendidos en la vida cotidiana, título del ensayo que publicará en el 2018. Anteriormente formó parte del equipo del programa “En la otra puerta” en radio.

Poesías
Los bordes del tiempo (2002), Grupo Editor Latinoamericano.
La mirada de Ana, sobre el diario de Ana Frank (2005), Editorial Milá. Sinfonía Mayor (2009), Primer Premio Certamen Nacional Ed. Ruinas Circulares. Geometría de la libertad, (2014), Ruinas Circulares Ediciones. Poesías desnudas, Mención de Honor Concurso Internacional del Instituto Cultural Latinoamericano, de próxima edición.

Leé más poesía
Piñas en el aire, de Leandro Gabilondo

Fragmento de Emilia, de Patricia Verón
Modos de ir, de Gabriela Franco

De cómo Sr Mockinpott logró liberarse de sus padecimientos, de Peter Weiss




Nuestra risa es siempre la risa de un grupo (…) y para comprender la risa hay que reintegrarla a su medio natural, que es la sociedad, hay que determinar ante todo su función útil, que es una función social (…) La risa debe responder a ciertas exigencias de la vida común. La risa debe tener una significación social. (Bergson, La Risa, 1900, Pp.14 y 15.)

Por Victoria Cestau.  

La obra de Peter Weiss, dramaturgonovelistapintor, artista gráfico y cineasta experimental alemán, nacido a principios del S XX, es un universo de muchas aristas. La  adaptación de Javier Margulis es realmente un trabajo fino. Su variada y vasta formación dialoga a la perfección con la obra del alemán. Respetando el texto, integra elementos de nuestra coyuntura, lo que hace de la obra una pieza actual y dinámica.

Nos sumergimos en el IFT, espacio de reconocida trayectoria de nuestro teatro nacional. Dos pisos arriba aguarda la sala para dar comienzo a una obra en la que confluyen múltiples lenguajes artísticos. Los seis actores y un músico despliegan en escena todo su talento. Actores reconocidos en el mundo del clown, del mimo y de la comedia.

Comprendemos que en este mundo trastocado habita un protagonista llamado Mockinpott, estupendamente interpretado por Nacho Albani, que atraviesa conflictos universales. La libertad, la muerte, Dios, el poder, la infidelidad, la burocracia, la corrupción, todos temas que nos tocan de cerca y que siempre tiene sentido poner en escena. Pero sabemos que el desafío siempre es la forma, el cómo. En esta oportunidad, cada actor compone varios personajes desde la concepción del maravilloso teatro de máscaras. Es realmente gratificador ver cómo cada máscara es habitada por un cuerpo diferente, su uso y función en la escena se destacan en esta estética absurda.

Recursos del Teatro y del Actor Popular se manifiestan armónica y equilibradamente con el teatro de texto. Romper la cuarta pared, dialogar con el público, jugar con cada objeto y resignificarlo, parodiar la realidad con humor y crítica, cantar, bailar, recitar: aquellos trovadores vuelven a ser carne en el S XXI.

El teatro físico se refleja en los gags y slapticks que constantemente nos sorprenden, el público ríe y festeja. El juego payaso funciona a la perfección, los roles y estatus de cada personaje se afinan como instrumentos de una orquesta y cada uno brilla con luz propia. Se utilizan muchos procedimientos técnicos, de los cuales Bergson en su ensayo filosófico La Risa, explica para definir el humor y lo cómico. La repetición, la deformidad de los cuerpos, la desproporción entre causa y efecto de la acción física, la inversión e interferencias de series, entre otras.

Quienes nos dedicamos al teatro sabemos que esto es posible porque hay un gran trabajo de los actores en consonancia con la dirección. Tanto Javier Margulis como Eugenia Levin han sabido llevar este trabajo impecable, que comprende además una puesta en escena que hace valorizar al trabajo realizado en el vestuario, las luces, los objetos y la escenografía (que cuenta con telones pintados). Todo responde a una misma paleta de colores, donde este mundo se proyecta creando una realidad alternativa. Esta realidad resuena en los estudios que realiza Bajtín acerca del carnaval y la cultura popular.

La risa descubrió al mundo desde un nuevo punto de vista, en su faceta más alegre y lúcida. Sus privilegios exteriores están indisolublemente asociados a sus fuerzas interiores. Sus privilegios exteriores son en cierto modo reconocimiento exterior de sus derechos interiores. Por eso fue que la risa nunca pudo ser convertida en un instrumento de opresión o embrutecimiento del pueblo. Nunca pudo oficializarse, fue siempre un arma de liberación en las manos del pueblo. (Bajtín, La cultura popular en la Edad Media y el Renacimiento. El contexto de François Rabelais, 1988, p.89)

Esta cita dialoga con la reconocida e inquietante trayectoria de Eugenia Levin, (fue la fundadora e integró la dirección de Teatro x la Identidad hace más de 15 años), que tanto como teatrista y cineasta ha manifestado a lo largo de su carrera.

Cada integrante de Mockinpott lleva adelante una formación y desempeño en distintos campos de la cultura que se despliega en la obra. Se agradece ver a artistas y docentes trabajando en conjunto, llevando a cabo la tarea más hermosa: hacer.

Cuánto: $250,00.
Cuándo: Desde el 16/09, sábados 21:30; domingos 20:00.
Dónde: Espacio IFT (Boulogne Sur Mer 549
).



Ficha técnico artística:
Actúan: Nacho Albani, Agustín Soler, Valeria Maldonado, Marina Barbera, Pablo Algañaraz, Yanina Frankel y Lechuga Beckerman.
Colaboraron en la escenografía: Alejandro Mateo, Marcelo Salvioli.
Pintura de Telones: Maite Corona, Ariadna Tártara Moyano.
Vestuario: Lili Piekar, Julieta Heiderscheid.
Realización de narices: Robert Narices.
Realización vestuario: Silvana Morini.
Iluminación: Marcos Pastorino.
Asistente de dirección: Ezequiel García Faura. 
Dirección: Javier Margulis y Eugenia Levín.