Fragmento de Un dibujo del mundo, de Verónica Pérez Arango (Poesía)

*

A la noche nos borramos las ojeras 

para hablar de lo importante

de lo que nos creemos

todos nosotros en la comodidad 

del presente planeamos una revolución

con bebés armados de nombres sacados de libros.

Porque confundimos ficción con realidad

pensamos en las cosas grandes que haremos 

con ellos montados en los hombros del destino.

Evitaremos el naufragio de lo que queda, los restos 

del mundo los animales salvajes y las plantas

la gente más amable, las mascotas y los paseos en tren

con una bolsa plástica como prueba de lo que fuimos.

*

Antes de que llegaras a casa te veía 

sitiado por delantales azules

un ejército de mujeres como lechuzas.

Otras veces dormías

en una cuna transparente

o desafiabas los colores primarios

en un solar hecho a tu medida.

Las mamás que estábamos

usábamos las tetas como brazos

y no podíamos soltarlos. Día y noche 

con el manual de instrucciones atado al cuello

debilidad y órdenes levantadas 

como edificios construidos en pocos días.

Las mamás que no estaban

dormían en sus camas con sus hijos,

olor a vino, caramelo y leche,

y por las mañanas salían a dar paseos 

por el límite con la naturaleza.

*

Aquel domingo fuimos al acuario para ver

los caballitos de mar.

Caminábamos lento

por la avenida

tu mano pequeña adentro de la mía 

palpitaba la primera vez 

y las migas pegadas en el sudor de la tarde.

Creíamos los dos lo mismo

que ahí adentro el agua sería cristalina

que los peces 

se moverían ágiles 

luciendo escamas y aletas preciosas

que las burbujas subiendo a la superficie 

serían nuestra música marina. 

Los dos creíamos lo mismo. Pero no. 

Todos los animales nadaban bajo un agua turbia 

y entre rocas repletas 

de moho y virutas de alimento balanceado. 

Nos costaba ver 

a través de los vidrios que estaba prohibido golpear 

los tubitos de goma que les llevaban oxígeno 

a las branquias anaranjadas

casi no funcionaban.

Había olor a pescado podrido.

Y a los caballitos de mar

no los vimos nunca.

Detalle

Título: Un dibujo del mundo.

Autora: 

Editorial: Ediciones El Ojo del Mármol.

Año: 2014.

Un poco sobre Verónica Pérez Arango 

Nació el 10 de mayo de 1976 en Buenos Aires. Publicó la plaqueta la desdentada (Casa de la Poesía de Buenos Aires, 2002), Camping (Bahía Blanca, Vox, 2010) y Un dibujo del mundo (Buenos Aires, El Ojo del Mármol, 2014; Ediciones Liliputienses, España, 2015). Participó de las antologías El Rayo Verde (Viajero Insomne, 2014), Exit 75 (edición a cargo de Germán Weissi, Alejandro Parrilla y Laura Mazzini, 2014), Razones para vivir en la dicha (2013) y Quedar en lo cantado. Poesía argentina y dominicana (El fin de la noche, 2009). En el año 2001, obtuvo la Segunda Mención en el Concurso Provincial de Poesía “Ginés García” (Jurado: Mirta Rosenberg, Irene Gruss y Jorge Boccanera). Trabaja como docente en escuelas secundarias y coordinando talleres de lectura y escritura. 

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Entrevista a Iride Mockert, la actriz de los mil personajes (Teatro)

Por Ariana Perez Artaso.

Ella está atravesando la tercera temporada del gigante unipersonal de Mariano Tenconi Blanco, La fiera; al mismo tiempo, se presenta -junto a Alejandra Flechner- en la cuarta edición de Teatro Bombón con Salón Skeffington (dirigida por Silvio Lang); y forma parte del elenco de Un gesto común, de Santiago Loza, con dirección de Maruja Bustamante. Pero la lista no termina ahí: también está en la pantalla de Telefé, donde se viste de Iaia, papel cómico que le dio visibilidad a gran escala.

Corriendo tras el veloz paso de Iride Mockert, Revista Lucarna tuvo el placer de charlar largo y tendido con esta versátil actriz y ejecutante de oboe. En la entrevista que sigue nos cuenta su experiencia en el campo de la actuación y su amor por la profesión que encara con tanto talento.

Revista Lucarna: Tu primera directora en el teatro la tuviste a los ocho años y fue Marcela Sabio, tu mamá. ¿Cómo fue esa experiencia?

Iride Mockert: Mi mamá era profesora en la primaria a la que iba. La obra de la que hablás fue Rojo como la sangre y se hizo en el enorme teatro del Centro cultural municipal de Santa Fe. Como mi mamá era amiga de todos los que trabajaban ahí (actores excelentes como Edgardo Dib o Raúl Kreig) me recomendó para hacer el papel de la nena de la infancia de la protagonista y quedé. 

Para mí era una fiesta ir al teatro, donde jugaba un rato en el escenario y después comía bombones en el camarín. Pensando en esto, creo que una de las cosas increíbles que me hizo acercarme a la actuación fue el juego. No hay otra: si no te divertís es imposible elegir hacer esto como vida, como profesión y laburo. 

RL: Para poder jugar es necesario tener un grupo detrás, ¿qué diferencias encontrás entre aquellos que se forman en el teatro y en la televisión?

IM: Cuando grabábamos las escenas de Viudas e hijos con Verónica Llinás solas las hacíamos de una, no se ensayaban, y nos dejaban improvisar. Llegaba un momento en el que empezabas a hacer cualquier cosa porque sabías que la cámara estaba grabando y la escena tenía que ir in crescendo. La tele tiene eso: los remates de escena, los chistes y esas cosas de la comedia no las podés perder de vista, por eso creo que no sentí tan diferente esa experiencia con la del teatro.

Sebastián Ortega y Pablo Culell armaron un elenco increíble. Porque es un riesgo armar un equipo, lo mismo pasa en el teatro: yo hice Meyerhold el año pasado con Silvio Lang, en la que éramos 16 actores: es una lotería, porque a veces se genera la química y a veces no. He estado en obras de 30 u once personas -no voy a dar los nombres- en las que hubo muchas peleas. Y en eso hay algo que no es al azar. 

Creo que Ortega y Culell tuvieron buen ojo… porque armaron un equipo en el que había buena onda; estábamos todos tirando para adelante, como Silvio Lang en Meyerhold. En ese espectáculo podrían haber surgido personas muy en la suya, muy en estrellas, y no. Eso después se ve en el producto, porque la gente que ve por ejemplo la tira percibe que nos estábamos divirtiendo al actuar, que estábamos trabajando en equipo; lo mismo con quienes vinieron a ver Meyerhold o Las lágrimas. Es algo que emociona y está buenísimo.

RL: ¿Cómo se generó el proyecto de La fiera?

IM: Le llevé la idea a Mariano de una mujer pantera en la selva misionera con una venganza de amor. Después, él fue el que armó todo el resto: Tucumán, la trata, etc. Yo le propuse los músicos porque ya había trabajado con ellos. Es un proyecto angelado con el que nos siguen pasando cosas y que nos sigue abriendo puertas. 

En esta profesión es fundamental no frustrarse si las cosas no salen y generar proyectos propios. La fiera lo fue y todo lo que pasó fue increíble.

Es un proyecto que armamos nosotros y eso es lo que le da una felicidad mayor a cada cosa que sucede, especialmente porque uno confió, produjo el teatro en que cree y la respuesta fue increíble. A veces puede fallar, pero creo que lo más importante es no esperar a que te llamen y hacer. La única manera es poner el cuerpo.

RL: En la obra de Tenconi Blanco tu personaje habla con acento, lo mismo sucedió con Iaia en la tira, ¿cómo lo trabajaste?

IM: Me gustan mucho las tonadas. No soy tan rigurosa, podría serlo más, lo reconozco. Con La fiera, lo que más pensamos fue en el tucumano, aunque el resultado no es tan tucumano. 

Lo que sucedió fue que, al ser un unipersonal, necesitábamos que el habla, el ritmo, la cadencia se modificaran según lo que pedía la puesta para que no decayera. En los unipersonales estás solo y entrar en la monotonía de un acento te agota, por eso de pronto empiezo a incorporar otras cosas.

En cuanto a Viudas e hijos, que Iaia tuviera acento fue una propuesta mía en el casting. Tenía que audicionar un miércoles y me mandaron la escena un martes, justamente por los tiempos de la tele, que son así. Lo único que me habían dicho era que se trataba del personaje de la mucama que se encamaba con Luis Machín, y la escena era con una piba en un café, en la que no podía trabajar la seducción, nada. Entonces, probé en mi casa hablar con acento como para jugar y hacerlo más pictórico -porque hablar desde mí era algo que ya se sabía que podía hacer-. Finalmente fui, hice el casting y funcionó, porque después me llamaron para el Call Back.

RL: Hablando de los tiempos de la televisión, ¿cómo era tu dinámica de trabajo al grabar?

IM: Si sos un bolo, las escenas te llegan el día anterior, a veces a la noche, y tenés que grabar a las ocho de la mañana. Cuando sos elenco no. En el canal nos esperaban los libros, te avisaban por mail y cuando ibas te los llevabas a tu casa. Ahí marcaba, armaba una cronología de lo que iba haciendo en cada capítulo en un cuaderno para después, cuando grababa, saber de dónde venía.

Cuando estás grabando todos los días te aprendés las escenas en un segundo. En Viudas, el texto se adaptaba a lo que estaba pasando con tu compañero. Y también sucedía que, a veces, te cambiaban las escenas en el mismo momento: las famosas hijuelas, que son publicidades o escenas agregadas, por ejemplo.  

RL: Trabajaste en cine, tele y teatro, ¿dónde elegirías quedarte?

IM: Mi prioridad es el teatro. Claro que el cine y la tele me encantan, me parecen otros registros de laburo, de experiencias. Por ejemplo, la tele así, con proyectos, equipos y elencos como el de Viudas, me hace feliz. Pero sé que no es así siempre. El teatro es otra cosa, hay algo del hecho en vivo con el espectador, ese vértigo de estar ahí y que pase lo que pase timoneás el barco. 

El cine, por su parte, es como jugar a los Ingalls: te armás familia lo que dure el rodaje y después “chau-chau, adiós”. Son procesos distintos. La tira también: te ves todos los días con tus compañeros por un año, es muy fuerte. 

RL: ¿Te sorprendió la repercusión que generó tu personaje en Viudas?

IM: Sí. La tele es masiva, nacional y popular. Luis [Machín] contaba, y eso que tiene más experiencia, que fue a un festival en San Juan y no podía caminar por la calle. A mí me pasó que fui a una fiesta gay y, como en la tira está la historia de amor de Juan Minujín y Juan Sorini (que es furor), la gente me reconoció y me habló de Segundo y Tony. Esas cosas son re locas. La tira acaparó un gran espectro de generaciones y gustos: hay para todo el mundo. Especialmente porque tiene humor y hay personajes que son muy pintorescos. 

Creo que el código que tiene Viudas permite que cierto tipo de espectador, por ahí más conservador o fachista, se permita reírse de determinados temas. Eso es porque hay algo de la actuación que le permite ver a ese espectador un juego y no juzgar. 

RL: Trabajaste y estás actualmente en una cantidad enorme de obras, ¿cómo elegís los proyectos en los que participás?

IM: En general, la prioridad es el texto, que resuene. Si no, hay algo que después se va a complicar porque poner el cuerpo es un compromiso y un desgaste importantes. Si la obra no te cierra es como defender una camiseta en la que no creés y se te vuelve un peso insoportable. Me ha pasado de tomar proyectos por el elenco y el director o directora, o por el teatro en sí, que después se volvieron insostenibles al hacer las funciones. En esos casos erré como persona, me traicioné por pensar en otros factores.

  

Cada proyecto en el que te embarcás es un riesgo. Pero ahora ya no me doy tanto con una fusta. Antes estaba más atenta al “fracaso”, pero pude dejar de preocuparme por las cosas más banales. Si veo que una obra tiene problemas o le falta, pero me gusta, lo tomo como un ejercicio teatral. Trato de ver qué es lo que tengo a favor para seguir creciendo como actriz. 

RL: ¿Cómo fue venirte a Buenos Aires al terminar el secundario?

IM: Yo quería hacerlo antes, pero mi mamá no me dejó. La idea era hacer el ingreso a la EMAD y al UNA y, si no entraba en ninguna, irme a estudiar a Rosario. Como quedé en las dos, elegí el UNA y me quedé. 

Tengo el recuerdo de cuando conocí Buenos Aires de adolescente, de entrar a Retiro a las 6.30 de la mañana con esa luz del amanecer y la de las calles que me volvieron loca. Quise vivir acá. Es algo que te pasa o no. Yo acá estoy feliz. Con los años uno se va cansando de ciertos mecanismos o de cosas que se van poniendo más pesadas, como el tráfico, que es algo agobiante que te quema un poco, pero yo sigo eligiendo vivir acá. Santa Fe igualmente está hermosa y cada vez tiene mayor producción teatral y de cine, lo cual me pone muy feliz. 

RL: Te mudaste a Buenos Aires a poco tiempo de que explotara la crisis de 2001…

IM: Sí, fue durísimo porque vengo de una familia de clase media baja y mis papás –separados- me daban cada uno una cuota para que yo viviera acá en una pensión. Cuando explota todo, mi papá deja de darme plata y mi mamá tampoco puede seguir haciéndolo. Yo no me quería volver, así que tuve que empezar a trabajar de cualquier cosa en ese verano infernal en el que vos agarrabas el clasificado de los diarios y no había ni un solo laburo. 

Repartí volantes de lo que se te ocurra, hasta de una pizzería en la que me pagaban un peso la hora, no me olvido más. Entré a un restorán frente al Abasto, que ya no existe, y era camarera, tocaba el oboe, cantaba tangos y hacía de RRPP. Llevábamos jubilados a comer ñoquis los domingos a cambio de que nos dieran de comer… fue durísimo, pero estoy feliz porque valió la pena quedarse.

RL: ¿Te costó insertarte en el circuito porteño?

IM: No. Soy muy laburante y creo que uno se tiene que formar como actor y estar en entrenamiento, pero que también tiene que subirse al escenario. La gente que hace la carrera y después empieza a trabajar no existe porque el teatro es un hecho vivo. Nadie te puede enseñar a resolver si un actor se desmaya en escena o a salir de un bache de texto, así como tampoco cómo reaccionar cuando un espectador se levanta y se va. Aprender todo eso te modifica,hay que estar ahí y pasarlo, vivirlo. 

Estaría bueno que más ‘público silvestre’ vaya al teatro. Porque a veces somos siempre los mismos yendo a las obras, exceptuando algunas que se promocionan mucho o en las que se da un fuerte boca en boca.

RL: ¿Cómo es ponerle el cuerpo a distintos personajes a la vez?

IM: La verdad es que en 2014 la limé un poco. No pensé que el personaje de la novela iba a desarrollarse tanto y a terminar grabando todos los días, y eso me destartaló los planes porque ya estaba comprometida en obras. Fue difícil, el cuerpo se cansa. Doy mi vida actuando y los proyectos en los que participo son muy intensos en general. A mí eso me gusta, hay personas que no funcionan actuando psicóticamente en varios proyectos, pero a mí sí y lo puedo manejar. 

Podés ver a Iride en:

La fiera: domingos a las 21:00 en el Extranjero Teatro.

Salón Skeffington, Teatro Bombón: domingos (quedan dos) a las 17:00 y 18:00 en La casona iluminada.

Un gesto común: lunes a 21:00 en el Abasto Social Club.

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Vivan las Feas, de Mariela Asensio (Teatro)

Por Juli Repetto/Ana Millet

Levante la mano la mujer que esté conforme con su cuerpo. Tire la primera piedra quién nunca se avergonzó por macharse con sangre menstrual. ¿Quién está libre de haber visto con su abuela el canal Utilísima al compás de “si la cámara me acompaña…"? 

Si antes de haber visto Vivan las Feas de Mariela Asensio, alguien me hubiera dicho que había una obra que hablaba del miedo de toda mujer a ser gorda, el mensaje misógino de las letras de Arjona que ranquean alto en las radios, la exigencia social a ser lo suficientemente seductoras pero sin cruzar la raya para ser leídas como putas, y el paso de las mujeres por la tercera edad como potencial momento de repensar su historia como quien dedicó toda su vida al cuidado de otrxs, criticando al capitalismo y sus criterios de utilidad de la mujer como objeto, no hubiera creído jamás que llegaría a tal grado de profundidad, utilizando al arte como herramienta de crítica. Y, por si fuera poco, con excelentes actrices que personifican sus papeles haciendo carne los estereotipos.

Esta identificación lleva a una incomodidad, que se traduce en sonrisas cómplices y carcajadas que salen de las entrañas de quienes nos vemos reflejadas en nuestra cotidianidad.

Es esta una obra que atraviesa el cuerpo y las ideas, disparándole sin asco al Macho Alfa. Sabe describir a la perfección a las mujeres posmodernas de clase media, que vivimos bajo mandatos que nunca llegaremos a alcanzar. 

A lo largo de la función, vamos tan lejos como la directora, mientras anda en bicicleta fija los 55 minutos arriba del escenario. Así de rápido, así de automatizado, así de alienante. 

Una obra cómica, política, que, como si fuera poco, pone a una chonga como actriz principal. Mariela hace del escenario un espejo de nuestra realidad, y no podemos más que abrazar a la sala llena, invadidas del mismo sentimiento.

Ficha técnico artística:

Intérpretes: Ana María Castel, Melina Milone, Josefina Pittelli, Mariela Asensio y Paola Luttini.
Dramaturgia y dirección: Mariela Asensio.Funciones: lunes 21 hs. Duración: 55 minutos.TEATRO LA COMEDIA. Rodríguez Peña 1062 (CABA). Reservas: 4812-4228 o Alternativa Teatral y ventas ingresando a www.plateanet.com.
Entradas: $ 120

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Imaginario, Texto de Reyva Franco e Ilustración de Gerald Espinoza (Literatura)

Por Jimena Repetto.

La editorial Pequeño Editor acaba de lanzar Imaginario, con texto de Reyva Franco e ilustración de Gerald Espinoza. 

Es uno de esos libros que esperan casi tanto los padres como los chicos. ¿Por qué? Porque son libros para que los lectores adultos no sientan que están descifrando un código para el disfrute de los lectores pequeños que aún no conocen el alfabeto. Todo lo contrario, son los adultos y los pequeños, en conjunto, quienes pueden interpretar el libro, exprimirlo como a una naranja, y hacer, del jugo, un naranjal. 

Suena a como mucho, ¿no? Pero así de fructífera -digo, para seguir la analogía- debería ser un momento de lectura compartida. 

Bueno, volviendo al libro. Arranca con un nene que un día se siente solo, muy solo, solísimo. Sí, yo también me siento así algunos días y ya superé con ganas las tres décadas. Así que en las primeras páginas me sentí identificada con el personaje, casi tanto o más de lo que me pasa con textos escritos para gente grande y seria. ¿Ven? A esto me refiero cuando digo que el libro se lee de a dos. 

Cuando le leí el libro a mi hijo, supongo que él también entendió de lo que le hablaba, o al menos disfrutó tanto como yo del amigo imaginario que encuentra este nene del libro. 

Vamos a decirlo a los cuatro vientos: ¡Qué hermosas que son las ilustraciones de Espinoza! Sí, así de hermosas son, con trazos gruesos y un toque impresionista. Con un dejo de dibujo infantil y unos encuadres y disposición jugados. También, con una paleta de colores intensa que va del turquesa, al terracota, a los más profundos primarios. La dupla Franco-Espinoza la rompe. Quiero leer más libros de este dúo dinámico.

Imaginario es uno más de los libros del catálogo de Pequeño Editor que vale la pena conseguir para cualquier estante, para la mesa ratona de casa, para el cajón de los juguetes o la mesa de luz. Es uno de esos libros que nos recuerdan que la infancia, a veces, se hace también de sentimientos como la soledad y que se llena de compañeros que son tan importantes como el mundo, no importa cuán reales, o no, les puedan parecer a los grandes.

Si van a la Feria del Libro de Buenos Aires, allí lo podrán encontrar. Si no, también se puede pedir vía web. 

Detalle

44 páginas color - 21 x 20cm.ISBN: 978-987-1374-64-9.
Texto: Reyva Franco.
Ilustración: Gerald Espinoza.

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Cinco propuestas para disfrutar el Día internacional de la danza (Agenda)

En 1982, la UNESCO estableció al 29 de abril como el Día internacional de la danza, conmemorando el natalicio de Jean-Georges Noverre, innovador y estudioso de este arte, maestro y creador del ballet moderno. 

Para que puedas celebrarlo vos también, te acercamos cinco propuestas de teatro danza que están actualmente en cartel. Elegí la que más te guste y salí a bailar al teatro.

Menea para mí, de Cumbi Bustinza  

"Maxi yo me llamo, a mi amor se lo dedico, Paola es su bello nombre vuelve a mí te lo suplico."

El espectáculo habla de lo que provoca la falta de amor. Es la historia de Maxi un pibe de un barrio bajo que nació un 7 de enero mirando al cielo. Las vivencias contadas por él: sus padres, sus hermanos, su amor, su desamor, su ira, las drogas, la bailanta, la cárcel, sus amigos. La pobreza y los problemas lo hicieron crecer de la única manera en que se puede. Donde los niños a los tiros se hacen hombres, donde nadie les regala nada y el camino de la carencia es inevitable al igual que el amor. Porque seguimos creyendo fervientemente que el amor puede más.

  

Estreno para público y prensa: Domingo 3 de mayo a las 16.30.

Funciones: Domingos a las 16.30.

Teatro: El extranjero, Valentín Gómez 3378.

Entradas: 100 pesos y 80 pesos para jubilados.

Informes: 4862-7400.

Mail: elextranjeroteatro@elextranjeroteatro.com

Ficha artístico técnica 
Dramaturgia y dirección: Mariana Cumbi Bustinza.
Intérpretes: Eze Baquero, Lucho Crispi, Catalina Jure, Vicky Raposo, Vicky Schwint, Mechi Hazaña, Flor Rebecchi, Mica Quintano, Germán Matías y Vanina Cavallito.
Dirección musical y temas originales: Facundo Salas.
Asistente de dirección: Angela Rodríguez Ayala.
Coreografías: Mariana Cumbi Bustinza.
Escenografía: Agustín Leonardo Addesso.
Iluminación: Adrian Cintioli.
Diseño: Pablo Rusconi. 
Prensa: Simkin & Franco.  
Fotos: iti el demasiado.
Productores ideame: Flavio Milosi, Sr schwint.

Santa Buenos Aires, ciclo de la Cía de Leonardo Cuello

Si la tangueridad es una religión, Buenos Aires es su ciudad sagrada. Un retablo tanguero. El espectáculo es una visión poética de algún rincón de la ciudad mientras ésta daba origen al tango, un homenaje inspirado en las fibras más íntimas y sencillas de este universo rioplatense.

En La usina del arte: Agustin R. Caffarena 1, CABA.

Ensayo Gral. con Público: Jueves 30 de abril a las 19:00.

Funciones: Viernes 1, sábado 2 y domingo 3  de mayo 17:00.

Entrada libre y gratuita.

Ficha técnico artística:

Coreografía y Dirección: Leonardo Cuello.

Elenco: Milagros Rolandelli y Lisandro Eberle, Ayelén Sánchez y Walter Suquia, Laura Zaracho y Ollantay Rojas, Andrea Kuna y Juan Pablo del Greco, Nuria Lazo y Federico Ibáñez.

Sexo De-Vil, De Elias Miguez

"Alguna vez te preguntaste qué se sentía ser mujer. ¿Qué te hace serlo? Seguro consideraste las posibilidades…”

Sexo De-vil es un relato coreográfico que evoca el universo femenino a partir del sentido común. La problemática acerca del dolor, la felicidad y el placer son abordadas desde los personajes sin ningún reparo moral o ético. El erotismo, la sensualidad y la violencia son los hilos conductores para posibilitar la reflexión acerca del sexo corporal de las mujeres y su posterior construcción cultural, política y social. La obra recorre su segunda temporada, de la que quedan tres funciones.

Funciones: Sábados 21:00.

Teatro: La Tertulia, Gallo 826, CABA.

Entrada:120 pesos (desc. estudiantes y jubilados).

Reservas: reservassexodevil@gmail.com

Ficha técnico artística:

Intérpretes: Pamela Campos, Priscila Favre, Sonia Isola, Carolina Pitetti, Cecilia Slamecka y Miguel Patiño.

Música: Freddie Perren y Dino Fekaris, Beyoncé Knoweles, Joaquín Sabina.

Textos: Elias Miguez y Ana Franco.

Voz en Off: Emilio Espinoza.

Fotografía y Filmación: Paula Schweizer y Javier Perrone.

Ilustración y Diseño de Imagen: Matías Páez.

Diseño Gráfico: Gisela Aroldo.

Diseño de Iluminación: Cristian Domini.

Diseño Audiovisual: Paula Bruzzese y Javier Perrone.

Prensa: TEHAGOLAPRENSA.

Producción General: Hernán Stibanelli.

Asistente de Dirección: Gisela Aroldo.

Dirección: Elias Miguez.

La bestia rubia, de Andrés Gallina

"Homenaje a una voz que fue silenciada y hoy, cuarenta años después, nos sigue hablando."

El entrenamiento del espíritu. El pasaje de Recoleta a Retiro. La renuncia al amor. El viaje a Puerta de Hierro en auto para visitar a Perón, como en una road movie. Discursos políticos por televisión. Pesadillas de insomne. Bombas en la casa. Fútbol en la villa. La lucha continua del peleador divino. La muerte cortándole la voz.
Una obra no sobre Mugica sino sobre todo lo que nos conmueve Mugica; una mirada ya no de los hechos sino de aquello que nos vuelve sensibles a los hechos. Fragmentos oníricos y febriles de la vida del cura rubio. Retrato apasionado de la bestia, entre el monólogo, el documental, la música y el movimiento.

Leé nuestra reseña de La bestia rubia.

Funciones: Lunes 20:30.
Teatro del pueblo, Roque Sáenz Peña 943.
Entradas: 130 pesos y 80 pesos (descuentos a jubilados y estudiantes).

Funciones especiales:

Sábado 9 de mayo a las 16.30 y domingo 10 de mayo a las 20 en el Centro Cultural Haroldo Conti, en el marco del aniversario de Carlos Mugica. Entrada libre y gratuita.

Viernes 15 de mayo en el Centro Cultural Carlos Mugica de Banfield, con entrada libre y gratuita.

En agosto, participará del Festival Internacional de Formosa.

Ficha técnico artística
Elenco: Nelson Rueda, Laura Figueiras, Pedro Frías, Gabriel Del Río y Melisa Noe Pereyra.
Escenografía y vestuario: Jorge Ferrari.
Coreografía y movimiento en escena: Mecha Fernández.
Música original, dirección y arreglos vocales: Rony Keselman.
Iluminación: Fernando Berreta.
Sonidista: José Poty Frías.
Fotografía: Agustina Luzniak y Sandra Cartasso
Pinturas: Adriana Maestri.
Asistente de dirección: Lalo Moro.
Asistente de escenografía y vestuario: Luciana Uzal.
Asistente de iluminación: Nadia Strier.
Asistente de producción: Lucía Asurey.
Producción ejecutiva: Rosalía Celentano.
Prensa: Carolina Alfonso.
Autor: Andrés Gallina.
Dirección: Tatiana Santana.

Villa Argüello, de Cecilia Argüello Rena

"Espacio de evocación a un mundo cordobés".

Tomados por un aire lejano, autóctono, popular del cual tienen sólo a un referente, siete intérpretes transitan el esfuerzo de pertenecer a un mundo casi foráneo, de revivir crónicas ajenas, de agruparse junto a otros para finalmente, ante tanta extrañeza, encontrarse a bailar.


Leé la reseña que hicimos de la obra acá. 

Ficha técnico artística
Interpretación y creación: Andrés Molina, Diego Rosental, Jimena Pérez Salerno, Josefina Gorostiza, Ollantay Rojas, Pablo Castronovo, Teli Ortiz.
Escenografía y Luces: AgneseLozupone.
Música Original: Alfonso Barbieri.
Vestuario: Estefanía Bonessa.
Diseño Grafico: WearePasto.
Textos: C. Argüello Rena & Letras de cuarteto.
Producción: Juan Pablo Gómez.
Asistencia general: Macarena Orueta.
Idea y Dirección: Celia Argüello Rena.

¡Y feliz Día de la danza!

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Ley Lear, de Santiago Alegría (Teatro)

Por Diego D. Martínez. 

El Lear de la obra de Santiago Alegría no es un rey, pero tampoco es Ley... "es sólo costumbre", como dirá una de las hijas de este Lear versionado. ¿Y qué es si no una Ley, sino una costumbre legislada y penada en el caso de ser infringida? Isabel y Cordelia mantienen la costumbre de obediencia a su padre hecha Ley en un territorio hostil y oscuro: su propia casa. Una madre ausente y el sueño de liberarse de su pesadilla diaria navega por el aire como una niebla débil y volátil. 

En Buenos Aires, la obra se presentó en Espacio Aguirre donde comúnmente se dan talleres y obras de Clown. En el pasillo del hall de entrada abundan las fotos de actores con narices rojas. Sin embargo, Ley Lear fue una propuesta diferente, hasta opuesta, se podría decir. Una tragedia dura, ya sea de la historia hasta la puesta en escena. Dos hermanas padeciendo la crueldad del machismo y el patriarcado en lo que debería ser su hogar, porque el hogar es otra cosa. 

El sábado 11 de julio a las 21 horas, el espectáculo se estará presentando en el espacio teatral Cuatro elementos de la ciudad de Mar del Plata. Además, desde el domingo 3 de mayo, presentarán cinco funciones más de en Espacio Aguirre. 

Milagros Coll y Paz Imán encarnan estas mujeres, transmitiendo sus heridas y anhelos frustrados de la infancia a través no sólo de la actuación si no también del canto, la poesía, y la danza. Una fusión equilibrada y dinámica a la vez.  

Ley Lear, si bien fue escrita y es dirigida por Santiago Alegría, está encarada por el grupo de teatro Eco. Desde su cuenta en Facebook, adelantan que Ley Lear es "nuestra primera obra, parte de una trilogía en desarrollo en la que nos proponemos explorar a partir de diferentes obras de William Shakespeare". Y detallan que desde su compañía buscan dedicarse a la realización y la pedagogía teatral: "Buscamos un Teatro que una a la danza, la pintura, la música y la poesía, para hablar sobre nuestra actualidad". 

Será cuestión de seguirles los pasos para nos perderse ninguna de sus propuestas.

Ficha técnico artística 

Dramaturgia y dirección: Santiago Alegría.

Elenco: Milagros Coll y Paz Imán. 

Diseño gráfico: Tomás Korman. 

Prensa: TEHAGOLAPRENSA. 

Fotografía: David Lescano. 

Duración:60 minutos. 

Contacto: ecociadeteatro@gmail.com 

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Primera edición de la Bienal de Performance de la Argentina (Agenda)

Del 27 de abril al 7 de junio tendrá lugar BP.15, la primera edición de la Bienal de Performance de la Argentina, que incluirá a más de 100 destacados artistas argentinos e internacionales, de diferentes disciplinas artísticas, y que presentará más de 20 proyectos inéditos creados especialmente para el evento.

Durante lo 42 días que durará la bienal, distintos espacios de Buenos Aires albergarán obras de artistas de la talla de Marina

Abramovic, Marta Minujin, Laurie Anderson, Sophie Calle, Nicola Costantino, Jorge Macchi y Edgardo Rudnitzky; Diego Bianchi y Luis Garay, Liu Bolin; Tania Bruguera, Amalia Pica. La mismas fueron seleccionadas por los curadores de las instituciones que forman parte de la movida (como el Museo Nacional de Bellas Artes, el Malba, el Centro de Arte Experimental de USAM y el Parque de la Memoria); el consejo consultivo de la bienal y de su directora, Graciela Casabé.

Sobre la bienal

BP.15 es una iniciativa de carácter privado e independiente que se conforma en asociación con distintas instituciones culturales y educativas públicas y privadas del país. Una veintena de museos,

espacios culturales y diferentes sitios urbanos de la ciudad de Buenos Aires, Mar del Plata, San Juan y Neuquén conforman un diseño de exhibición descentralizado. 

En ella se podrá disfrutar de presentaciones en vivo, acciones, muestras seminarios, workshops y una importante plataforma académica que se desarrollará en simultáneo.

La joya

Una de las joyitas de la bienal será la presencia de la increíble Marina Abramović, quien este lunes a las 18:00 en el Centro de Arte Experimental UNSAM hará una presentación pública en diálogo con Andrea Giunta, directora artística del centro. Las entradas, por supuesto, están agotadas. Por suerte existe Youtube y podemos ver una y otra vez su reencuentro con Ulay en el MoMa:



En la línea con este hermoso video, el martes 28, también en el Centro de Arte Experimental UNSAM, la artista encabezará un workshop en el expondrá la posibilidad de liberarse de las constantes distracciones del mundo moderno, permaneciendo en silencio y conectado con el momento presente. Los participantes podrán quedarse en el espacio ofrecido durante el tiempo que deseen, para estar consigo mismos y experimentar la calma y la sensación poco frecuente de sentirse libres de responsabilidades. 

El workshop es desde las 10:00 hasta las 18:00. La entrada es gratuita, para mayores de 14 aos y no requiere de inscripción previa.

BP.15 en la Casa Nacional del Bicentenario

En el marco de la bienal, las vidrieras de su fachada serán intervenidas por dos grupos de artistas ZAGO (Leonello Zambón y María Eugenia González) y Provisorio Permanente.

En el primer tramo de la bienal, desde el martes 28, podrá verse Murmullo de ZAGO, una original instalación que pone énfasis en los sonidos, en las vibraciones, dando al visitante la posibilidad de experimentar sonoridades que casi siempre nos pasan inadvertidas. 

Además, en la Casa se desarrollarán una serie de actividades académicas. Todas ellas pueden consultarse en este enlace.   

Todo el programa del evento podés verlo acá.

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