Revista Lucarna

Una Mirada sobre las artes emergentes

Poesía + Fotos para todos los gustos

Se pueden leer, pero también mirar

Libros para leer en otoño

En la arena, el pasto... o el asiento del colectivo

Usted Está Aquí, de Natalia Chami y Romina Bulacio Sak

Entrevista a las creadoras de esta impredecible experiencia teatral

Lunas Cautivas – Historias de poetas presas, de Marcia Paradiso

Documental sobre tres mujeres, tres historias y un penal

La mujer que levantó el auto, de Leo Mendonça (Teatro)



Frustraciones. Miedos. Rencores. ¿Cuándo se convierten en extrañas las personas que creíamos conocer? Las noticias, en las radios o en los diarios, están allí para distraernos. Distracción no a modo de evitar cuestionamientos a tal o cual poder, sino para evitar hacernos cargo de las cosas que nos atraviesa en el plano más íntimo. Un pingüino que nada desde nuestro mar al de Nueva Zelanda, porque tal vez se quiere tomar unas vacaciones, o una chica que fallece por tener un piercing en su órgano sexual. Cualquier noticia vendrá bien para que no nos miremos a los ojos ni expresemos todos aquellos sentimientos que nunca nos animamos a mostrar. Y en más de una ocasión, acudimos a tomar unas copas demás para "aflojarnos" y sacar de adentro lo que en sobriedad callamos. La mujer que levantó el auto, de Leo Mendonça, nos narra esas historias, y otras más, como si nos mirásemos en un espejo. El reflejo asusta un poco: aquella imagen es la nuestra, y nos recuerda que tenemos que hacernos cargo de frustraciones, miedos y también rencores propios.

Jorge y Rita, una joven pareja del interior que vive en su pueblo, esquivan decirse las cosas -o se la dicen de una manera no muy clara-. Él se muestra conforme con su rutina de remisero. Pero ella quiere que su marido cambie de trabajo por uno de oficina, use zapatos nuevos y le compre un celular. El desentendimiento entre ambos hará que Rita decida visitar a su abuelo Carlos, un octogenario de bigotes y en sillas de ruedas que vive solo, en la ciudad de Buenos Aires. Entre el abuelo y la nieta también habrá desencuentros. Pero, en cambio, lograrán una unión afectiva, más allá del árbol genealógico. En los recuerdos de cada uno, habrá sueños e ilusiones que retomar.

El trabajo actoral del elenco desborda energía en su justa medida. Llegan a un extremo, pero vuelven antes de que se convierta en insoportable. Un ir y venir constante, que mantiene expectante al público. La escenografía está compuesta por dibujos en blanco y negro, para hacernos ver la forma caricaturesca con la que a veces ciertas situaciones cotidianas pueden presentarse, por más dolorosas que sean, un estilo que también es acompañado por el vestuario y por todos los objetos que entran en escena. Y una voz en off, entre una escena y la otra, nos obsequia una reflexión sobre lo que estamos viendo, vidas que podrían ser las nuestras.

Dónde: Teatro El Extranjero, Valentín Gómez, 3378. CABA.
Cuándo: Todos los domingos a las 18:30.
Cuánto: 100 Pesos, 70 para estudiantes y jubilados.

Ficha técnico artística
Elenco: Sandra Criolani (Rita); Gerardo Baamonde (Carlos); Santiago Fraccarolli(Jorge/ Pedro).
Textos en Off: Julia Funari.
Radio en Off: Leandro Tala.
Dramaturgia y Dirección: Leo Mendonça.
Escenografía e ilustraciones: Azul Schwartz.
Vestuario: Pilar Lopez Camelo.
Fotos: Paloma Herb
Diseño de Luz: José Binetti.
Asistente de Dirección: Paolo Giuliano.
Pre producción: Cintia Rojo.
Constructor de Escenografía: Luis Sanguin.a
Productor General: Leo Mendonça.
Música Original: Alejandro Deluca.
Producción Gráfica: Urban Print.
Prensa: Prensa Novello.
Duración del espectáculo: 80 Minutos.

Proscenio Sur-Red de Salas Teatrales (Agenda)


Proscenio Sur es una Red de Salas de teatros independientes que buscan definir un nuevo territorio teatral en el Centro-Sur de la Ciudad de Buenos Aires, una zona con identidad arquitectónica, histórica y antropológica. Esta red fue creada por los representantes de las nueve salas que la conforman: 1/2 Mundo Teatro, Apacheta Sala/Estudio, Teatro Calibán, Teatro El Cuervo, Teatro El Espión, Teatro El Popular, Teatro La Ranchería, Centro Cultural Raíces y Silencio de Negras.

Desde el mes de Septiembre, dentro del ciclo Teatro a Puertas Abiertas y  con el apoyo de Pro Teatro, Proscenio Sur realiza un circuito de funciones gratuitas todos los últimos domingos de cada mes con el objetivo de definir un nuevo territorio teatral y dar así más visibilidad a las producciones locales. Además hay beneficios directos a los espectadores Amigos de Proscenio Sur que tendrán descuentos en todas sus salas durante todo el año.

ESTE DOMINGO, 30 de Noviembre, ProscenioSur - Red de Salas Teatrales abre nuevamente sus puertas con FUNCIONES LIBRES Y GRATUITAS en todos sus teatros del centro-sur de la Ciudad de Buenos Aires

En esta 3° JORNADA del CICLO LIBRE Y GRATUITO DE TEATRO A PUERTAS ABIERTAS que llevaremos a cabo, seguiremos entregando a los espectadores asistentes el carnet AMIGO DE PROSCENIO SUR, con el que obtendrán el 50% de descuento en entradas a funciones de todas las salas que forman parte de PROSCENIO.

¡¡ ARMÁ TU RECORRIDO Y DISFRUTÁ DEL TEATRO !!!

La PROGRAMACIÓN COMPLETA para este domingo es:


Silban las Balas (Teatro)


Por Victoria Cestau.

El poder de la estética del clown es realmente sorprendente. A 31 años de las Guerras de las Malvinas, parte de la historia reciente de nuestra memoria, un grupo de payasos y músicos nos llevan a explorar la problemática bélica de una forma sensible y con mucho humor. Las despedidas, la muerte, el compañerismo y el destino de un país, son temas que, con delicadeza y respeto, este grupo de artistas se apropia de una forma lúdica y diferente.

Silban las balas es una obra clown que se presenta en el Teatro Payró. Allí, un universo de humo, desencuentros amorosos y escenas delirantes se despliega en medio de las trincheras. La puesta es dinámica: escenografía, actores, vestuario, objetos, máscaras, música en vivo, se mueven con equilibrio. Cada recurso luce de forma armónica y prestigiosa integrándose a la obra como parte constitutiva.


El uso de máscaras, además de la típica nariz roja, es un elemento actoral muy fuerte e interesante, que alimenta formas teatrales alejadas de la estética realista. El cuerpo de los actores se transforma por completo, lo gestual y lo vocal toman otras dimensiones con  las máscaras, instancia valiosa que muestra la explotación de otros territorios geodramáticos en la actualidad.

La disposición escénica de los objetos es otro punto que se construye de una forma payasesca, dinámica y absurda. Para desarrollar una obra de humor siempre es bueno distorsionar lo que comúnmente estamos acostumbrados a ver, teléfonos y sillas que cuelgan, así como objetos inanimados que de repente toman vida en medio de la guerra. 

Tanto la deconstrucción del texto hablado y plasmado en la escena como la ruptura con la cuarta pared son elementos que distinguen a los payasos de otros actores. Estos principios estéticos, cuando se encuentran bien llevados, permiten disfrutar del espectáculo al tiempo que potencian la reflexión. Esta vez la ocasión fue perfecta y pudimos disfrutar de una interacción directa y reconfortante.


El desafío es poder disfrutar y reflexionar acerca de una propuesta artística que toca temáticas políticas provocativas que aún se encuentra cicatrizando en el tejido social. Silban las balas es un típico relato clownesco que nos deja livianos y pensativos.

Funciones: viernes, 23.30 hs.
Teatro Payró, San Martín 766, CABA. (Tel.: 4312-5922)
Reservas a través del sitio Web
Entrada: $100 (jubilados y estudiantes: $50)

Ficha artístico-técnica:

Elenco: Lourdes Herrera, Mariana Mayoraz, Mauro González y Rodrigo Frascara 
Música original y dirección musical: Ian Shifres 
Música en vivo: Lucía Katz y Lucía Martínez
Escenografía: Emilia Pérez Quinteros
Coordinación y realización escenográfica: Lucía Garramuño
Vestuario: Emilia Pérez Quinteros y Martina Cravea
Diseño gráfico: Marcelo Sapoznik
Fotografía: Fred Presmitta
Colaboración coreográfica: Coti Cibils
Diseño de iluminación: Alejandro Velazquez
Máscaras: www.mascarasiriarte.com.ar
Voz en off: Emilio Tanus
Asistencia de dirección: Matías Katz y Fernando Vitale
Producción ejecutiva: Lala Buceviciene
Prensa: Hernán Salcedo
Dirección: Marcos Arano

Electric Mamma, de Mónica Cabrera (Teatro)



La singular obra arranca con un enorme ojo con patas que dispara, de forma efectiva y veloz, muchas preguntas a la vez: ¿estamos en presencia de la madre que todo lo ve? ¿Se trata del punto de vista desde donde percibimos lo que nos pasa? ¿Es la toma de consciencia del espectador como observador, materializada y con pestañas? Puede que todas estas posibilidades sean acertadas, o ninguna. O que haya otras mejores. El punto es que este órgano de algún material similar al papel maché da la pauta, desde un inicio, de la impronta surrealista –y un tanto psicoanalítica- que Mónica Cabrera decidió darle a su divertida y conmovedora Electric Mamma.   

"Mamá entró en coma el 23 de diciembre. Nunca más salió. Cuando murió, resolvimos no decir nada. Fingir ante el mundo que continuaba viva, y que había viajado a Grecia para recuperarse de su larga enfermedad. Tanto lo repetimos y mostramos fotos que ella tomaba en Grecia, que acabamos creyéndolo".
La pieza reúne a tres personajes igual de patéticos, de abandonados y confusos: una madre –genial poeta censurada- y sus dos hijos –una abogada recta y un tarambana que no se sabe bien qué hace, ni quién, en el fondo, es, más que un hijo y hermano de sexualidad cuestionada-.
Con pinceladas del cine argentino de los años 40s y de las películas mexicanas en sus versiones más lastimeras y recalcitrantes, la pieza va y viene entre la realidad de sus seres y sus planos imaginarios; entre la madre interna y el espectro de lo que fue esa mujer en vida, planteando en el vaivén las más disparatadas situaciones que, detrás de lo cómico, esconden lo trágico, o al menos lo triste de sus enmarañadas historias.

La obra reúne un combo difícil de rechazar: excelentes actuaciones, agilidad escénica y un texto que sumerge al espectador en ciertas profundidades incómodas que sólo se perciben una vez fuera, cuando se sale a flote con el aire dispuesto para la risa.

La propuesta de Cabrera sumó, además, un elemento poco frecuente en la cartelera porteña: la posibilidad de ver la pieza no sólo los sábados a la noche, cita habitual de teatreros, sino también los miércoles por la tarde. Esta variante fue por la que optó Lucarna para visitar el cálido Teatro estudio la mamma, donde la autora y directora del espectáculo recibe a su público en persona, prometiéndole no hablarle si éste así lo prefiere.

Dónde: Teatro estudio la mamma, Yatay 890 - (Entre Av. Corrientes y Humahuaca) -C.A.B.A
Cuándo: Miércoles 17:00 y sábados 20.30.
Cuánto: Sábados 100 pesos. Miércoles 100 y 70 pesos con descuento para jubilados y estudiantes.



Ficha técnico artística
Elenco: Marialba Sosa (hija), Gloria Cingolani (madre) y Hernán Darío Statuto (hijo).
Objetos: Laura Sánchez.
Diseño gráfico: Alfredo Gallenti.
Gestión de subsidios: Zoilo Garcés.
Fotografía: Patricia Ackerman.
Diseño de vestuario, escenografía e iluminación: Mónica Cabrera.
Asistente de dirección: Sofia Herrera.
Libro, dirección y arte: Mónica Cabrera.
Prensa: Carolina Alfonso.

La compañía de los hombres, de Mariano Díaz Barbosa (Literatura)

En los 10 cuentos que componen La compañía de los hombres, Mariano Díaz Barbosa hace un recorrido por lo que parece haber sido un juego en el que la consigna perseguía el experimentar con la escritura, sin repetir y sin soplar. 

Así, el libro tiene piezas de las más variadas que van desde el formato del guión al cuento de infancia. Sobre ellas, Leandro Novak expresó en su prólogo que cada uno de los protagonistas debe “afrontar la tragedia de estar acompañado, de estar rodeado por otros, de ser atropellado por su existencia y a la vez desearla, de querer la libertad y padecer el aislamiento. Lo de compañía, entonces, puede asumirse en el aspecto dual que conlleva hoy, en su carácter afectivo e íntimo, pero también en el carácter mercantil y desamorado de un grupo de hombres subsumido en una misma empresa”.

La compañía de los hombres: “historias donde la convivencia cotidiana con los otros se enrarece y lo fundamental queda latente. En el centro de todo, la muerte: ora absurda, ora siniestra; irónica o sombría”.

Detalle
Autor: Díaz Barbosa, Mariano.
Título: La compañía de los hombres. 
Editorial: Textos Intrusos, 2014.
ISBN: 978­987­1960­28­6. 
Formato 17x13cm. 
Páginas: 212. 

Un poco sobre Mariano Díaz Barbosa

Nació en 1982, vivió en Buenos Aires y en San Miguel de Tucumán. Pasó por la carrera de Filosofía de la UBA y estudió cine en el CIEVYC. Escribió guiones para corto y mediometrajes, reseñas literarias para la revista Gramma, de la USAL, y publicó un artículo sobre Yukio Mishima en Intersecciones.psi, la revista digital de la Facultad de Psicología de la UBA. Desde 2005 asiste al taller literario que dicta Liliana Díaz Mindurry. En 2013 publicó el poemario Para que nada sea por Textos intrusos.

Otros títulos de textos intrusos en Lucarna Doce dientesSilencio en la nada luz

Grupo ERA: teatro, música en vivo, cuerpos en escena (Teatro)


Por Victoria Cestau.

Hace ya varios años los actores hemos optado por transformar, de alguna manera, el teatro. En ese cambio, la importancia del texto y la psicología de los personajes ha sido desplazada por un teatro que despliega el cuerpo, la sinrazón, la dramaturgia actoral y elementos de la improvisación que no necesariamente tienen una explicación ideológica, estética o escénica. En este marco pudimos disfrutar y muchas veces no entender (objetivo explícito del grupo) la propuesta distinta que el grupo Era nos ofreció.

Dentro de lo que los teóricos han denominado como “teatro del absurdo”, el grupo Era presenta su espectáculo que no se titula bajo ningún nombre, ya que apuntan a que los espectadores nos encontremos con algo distinto cada vez (sin ser sesgados por nombres). También buscan destacar la mirada grupal que confluye en la creación colectiva. Estos gestos fueron utilizados por las vanguardias, caso paradigmático lo presentaba el Dadaísmo que buscaba jugar con el lenguaje, desarticulando cualquier procedimiento racional o esperado.


Existen varios tipos de absurdos dentro de este teatro, esta vez el desarrollo estuvo predominantemente marcado por el absurdo como principio estructural, es decir aquel teatro que refleja el caos universal, la desintegración del lenguaje y la ausencia de una imagen armoniosa de la humanidad. Un grupo de ocho actores desarrollan una propuesta con música en vivo, luces psicodélicas, vestuarios sacados de la realidad (trapos, pañuelos, anteojos, carteras, vestidos, etc.), situaciones sorprendentes y delirantes. El manejo del cuerpo es vital, la propuesta se sostiene por la presencia de los cuerpos que son llevados a situaciones extremas de impulso y quietud, recurso que se luce por el dinamismo escénico de la puesta.

La parodia hacia algunas experiencias cotidianas se presenta en reiteradas veces, así como también el estilo grotesco y exagerado de los personajes y escenas. Actos que se suceden sin que necesariamente tengan un hilo que los conduzca ni los unifique, es un gran ejercicio y desafío que de alguna manera, reta a deconstruir relatos lineales y epocales.


Una invitación al absurdo, a perderse y soltar cualquier asociación que nos de algún sentido, al entramado libre de la interpretación, quizás también, a soñar con los ojos abiertos.

Próximas funciones: 

Sabado 29 de noviembre, 21 hs.
Espacio deseartes: 24 de octubre 1364 (Ituzingó, Buenos Aires)
 

Sábado 13 de diciembre, 17 hs. 
Escuela rural de la Plata (La Plata, Buenos Aires)

Ficha técnico-artística:

Actores: Juan Francisco Chapur, Manuela Monsalve Bernal, Alejandro Podestá, Benjamin Medina, Charly Velasco
Músicos: Agustin Sánches Parisi, Martin "bebe" Sabbastano, Mayo Cotella
Iluminación: Emiliano López
Escenografía, vestuario y multimedia: Manuela Monsalve Bernal
Dirección: Era



El tao del sexo, de Laura Gutman e Ignacio Apolo (Teatro)





Algunos se enfrentan, a lo largo de sus vidas, con la poca grata tarea de asistir a funerales. Otros, ya sea por la buena suerte, los pocos amigos o simplemente por una firme decisión personal, no.

Pero lo cierto es que, sea cual sea el nivel de entrenamiento que se tenga, ser partícipe de este ritual de despedida exige el esfuerzo de un doble desafío: poder imaginar con la velocidad necesaria qué decir o hacer y verse de cara con eso que en algún momento va a pasarnos y –acá es donde se pone más difícil la cosa- que también experimentarán quienes amamos. Eso de lo que mucho no se habla vaya uno a saber por qué. 

En este contexto encontramos a Male y Eugenio, pareja de largos años de casados que despide al padre de aquél como mejor les sale. Es decir, torpemente. Es a partir de allí que El tao del sexo comienza a mostrarnos las dos versiones de una misma historia, las cuales se abren también ante la mirada de los personajes que intentarán desentrañar el terremoto que empieza a vibrar bajo sus confundidos pies.

“La experiencia de la muerte es casi idéntica a la del nacimiento –dice Male-. Hemos perdido contacto con esas dos partes de la vida: nacer, morir…”. Puede que tenga tenga razón.

La relación con los padres, los mandatos, los hijos; la construcción y reconstrucción permanente de la pareja y la pelea con uno mismo son puesto en jaque con el cimbronazo: la pregunta por el amor (¿eterno, recicable, todavía posible?) en sus diferentes costados es la que los atraviesa, mientras que los miedos, las enfermedades y lo no dicho impulsa la definición de una respuesta (por más provisoria que sea).


La obra cuenta con las actuaciones del reconocido Raúl Rizzo y María José Gabin, quien interpreta con mucho humor y emotividad a una mujer que intenta controlar una crónica enfermedad y soportar una terrible relación con su madre, al tiempo que es impactada por el regreso de la excitación más pura.

La obra ganó el Premio Internacional Casa de las Américas 2012:“Por tratarse de un texto audaz y original que, partiendo de un retrato descarnado de la convivencia de pareja, nos lleva a dialogar con el universo de las relaciones humanas. Construye, además, la voz de la mujer madura contemporánea que urge ser escuchada. Una estructura precisa y novedosa permite la construcción de personajes con los cuales el espectador agradecerá interactuar”.

El tao del sexo es el segundo texto que el dramaturgo Ignacio Apolo y la especialista en maternidad Laura Gutman escribieron y estrenaron juntos. El primero fue Posparto, pieza que pudo verse en Buenos Aires durante tres temporadas en El tinglado. Ambos fueron llevados a escena con la dirección de Apolo.

Dónde: Teatro Cervantes. Libertad 815 (CABA).
Cuándo: Viernes y sábados a las 19:00, y domingos a las 18.30 (hasta el 30/11).
Cuánto: 60 Pesos.
Ficha técnico artística
Autoría: Ignacio Apolo, Laura Gutman.
Actúan: María José Gabin, Raúl Rizzo.
Vestuario: Magda Banach.
Escenografía e iluminación: Magali Acha.
Música: Federico Marrale.
Asistencia de dirección: Vanesa Campanini.
Producción: Daniela Szlak.

Parece ser que me fui (Teatro)


Por Victoria Cestau.

Parece ser que me fui es la sensación que nos queda cuando uno decide muchas cosas: girar, tomar, abandonar, dejar, partir, retornar, cruzar, gritar, saltar, entender y finalmente confiar. Había una vez una payasa tierna y loca, ella decidió embarcarse y bucear, con su vestido floreado, escarpines delicados y un sombrero gris nos llevará con ella, a donde quiera, porque sí, porque Marta ha decido salir y nosotros también.

Una silla muy pequeña que rompe la escala convencional del tamaño de los objetos, es el único elemento escenográfico que acompaña a la actriz Marina Barbera, además de su polifacética cartera de cuero marrón. Ni bien entramos a la sala, la vemos a ella sentada: Marta, una payasa que parece remontarse sobre mundos que la han dejado y otros que están por venir. Contemplativa al principio, está cansada, reflexiva, hasta que en un momento el poder de la decisión la toma por completo, se apropia de su cuerpo, de sus palabras, de su voz, de su mirada de niña y se pone a jugar. 


Cada obra de clown bien lograda toca algo íntimo del espectador, y en esta ocasión tampoco escapamos a ese efecto emocional al que algunos payasos nos tienen acostumbrados. Es que la clave es esa, trabajar algo que le suceda al actor y sobre ese material hacer un “universo payasesco” en el que la transmisión y el efecto son inmediatos: risas, emociones, suspiros, silencios, nervios, son algunas de las vivencias que pudimos disfrutar y compartir.


Existe un universo femenino muy fuerte en la pieza, energía difícil de explicar y atractivamente poderosa, ya que en la escena completamente negra solo habita Marta y su silla (a la que deja para salir de una quietud extrema). El desafío se vuelve a centrar en la dramaturgia del cuerpo del actor, el centro, el eje, el motor, la causa y su destino. Esta vez la grandeza se redobla porque la obra se encuentra dirigida por una de las referentes más importantes y destacadas de la estética del clown: Raquel Sokolowicz que desempeña su labor como docente y directora hace mucho tiempo.

Irse para volver a algún lugar, a veces es necesario. Un laberinto de encrucijadas que se resuelven o no, sin embargo la alegría y la tristeza van casi de la mano, como en la vida, como lo hace Marta, construyendo contradicciones efímeras (desde el título de la obra), contradicciones que nos alimentan, que dan sentido, que nos completan, que nos dejan más humanos.


Venezuela 3340
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 4931-2124
Entrada: $ 90,00 / $ 70,00 - Viernes - 21:00 hs - Hasta el 28/11/2014 
Quedan 2 fechas, viernes 21 y 28 de noviembre.

Ficha técnico artística:
Actúa: Marina Barbera
Diseño de luces: Ricardo Sica
Música original: Agustín Flores Muñoz
Fotografía: Jorge Crowe
Diseño gráfico: Andrés Kyle
Asistencia de dirección y producción: Mariano Mandetta
Dirección: Raquel Sokolowicz

Hamlet, versión del Shakespeare’s Globe Theatre (Teatro)

Shakespeare’s Globe pasó por Buenos Aires en su extense gira. Foto.


El 23 de abril de 2014 se celebró a nivel global el 450 aniversario del nacimiento de Shakespeare con diversas actividades que, en Argentina, incluyeron un congreso internacional y un festival de teatro -en el que pudieron verse espectáculos como Noche de reyes- en su honor. 

En esa misma fecha, pero a miles de kilómetros de distancia, daba inicio la enorme travesía del Shakespeare’s Globe Theatre de Inglaterra, que –bajo el nombre de Globe to Globe Hamlet- se propuso llevar a la mayor cantidad de países del mundo posible su versión del clásico inglés.

Ocho meses después de aquél entonces, en la noche del 15 de noviembre, la compañía dirigida por Dominic Dromgoole y Bill Buckhurst desembarcó en la sala Casacuberta del Teatro San Martín con un espectáculo de puro movimiento y poesía, animado por música, baile y algo de humor negro, que ofrece la imperdible posibilidad de apreciar la pieza en su idioma original (con subtítulos) sobre una escenografía simple –y, especialmente, fácil de trasportar de ciudad en ciudad- y un elenco que se ganó el entusiasta aplauso del público porteño no sólo al final, sino también a lo largo de los extensos 175 minutos que dura su espectáculo.

Con entradas agotadas, Globe to Globe Hamlet repetirá su función en Buenos Aires este domingo –a las 15:00 y a las 20:00- para luego seguir su viaje sin precedentes hacia Paraguar, Uruguay y Brasil, entre otros de los tantos países con los que completará los 205 destinos planificados. 

De esta manera, la siempre vigente pieza cobrará vida una y otra vez en plazas de pueblos, teatros nacionales, palacios y playas de la mano de los 16 artistas de la compañía que no temen subirse a barcos, trenes, jeeps, buques, buses y aviones para cumplir su cometido: la internacionalización de Shakespeare.

Sobre esto, el Director artístico del Globe, Dominic Dromgoole, expresó: “En 1608, sólo cinco años después de haber sido escrita, Hamlet fue presentada en un barco -el Red Dragon- frente a la costa de Yemen. Sólo diez años después realizó una extensa gira por el norte de Europa. El espíritu de viajar y de comunicar historias a nuevos oídos fue siempre crucial en el trabajo de Shakespeare. No podríamos estar más felices de llevar esa misión aun más lejos. (…) pretendemos que esta obra maravillosa, icónica, variada, llegue a la mayor cantidad de espectadores posible.”

La gira finalizará el 23 de abril de 2016 (en el 400º aniversario de la muerte de Shakespeare) en Dinamarca. La fecha marcará, además, la despedida de Dromgoole del Globe, después de ser durante una década su Director artístico.

Hamlet, por el Shakespeare’s Globe. Foto.


Ficha Técnico artística
Dirección: Dominic Dromgoole (Director Artístico del Globe) y Bill Buckhurst. 
Elenco: Keith Bartlett, John Dougall, Ladi Emeruwa, Phoebe Fildes, Miranda Foster, Naeem Hayat, Beruce Khan, Tom Lawrence, Jennifer Leong, Rawiri Paratene, Matthew Romain y Amanda Wilkin. 
Producción: Rebecca Austin, Carrie Burnham, Dave McEvoy y Adam Moore.
Música original adicional: Laura Forrest-Hay.
Dirección musical y composición: Bill Barclay.
Diseño de vestuario y escenografía: Jonathan Fensom.

Top top top, de Hernán Carbón y Marcelo Katz (Teatro)


Victoria Cestau.

El Espacio Aguirre fue el primer lugar que pisaron mis chalupas de payasa recién llegada de Uruguay. Marcelo Katz es quien dirige esta escuela que también funciona como teatro, un espacio en pleno movimiento: máscaras, fotografías, bicicletas, esculturas, conforman una puesta del lugar que nos convida a volar con la imaginación desde el momento en que ingresamos. Docentes y artistas reconocidos, forman parte de esta plataforma hace varios años. En esta oportunidad se presenta Top, top, top unipersonal dirigido por Hernán Carbón y protagonizado por Marcelo Katz.

“Todos tenemos una familia o algo por estilo” es la frase e idea que recorre el espectáculo de principio a fin. Un proyector y un engranaje de varios juegos habitan la escena de este payaso que decide despojar todas sus verdades y hacernos cómplices desde el primer instante.

Sale a escena un ser liviano, un payaso con unos ojos claros que nos atraviesa con pureza. Vestido como de antes: moña, sombrero, trajecito, zapatos y medias, un aire triste y cómico nos da la bienvenida. La consigna es: viajar al mundo más increíble que habita en nosotros….la vida misma….nuestras miserias, nuestras maravillas…


El recorrido es diverso y profundo, las escenas se componen rompiendo la cuarta pared, ley máxima del payaso actor, que todo el tiempo traspasa al público: nos conquista, nos seduce…nos quiere….lo aceptamos. Claramente el espectáculo está montado con el refinamiento y los recursos que todo clown debe presentar. En primer lugar logra generar diferentes climas escénicos bajo la consigna de los in crescendo en los estados del personaje. También realiza una magnifica utilización de objetos clownescos –algunos conocidos y otros inventados- y del cuerpo que evoca imágenes y está disponible a cualquier situación que se presente dado por el poder de la improvisación, que el actor domina a la perfección. El buen manejo del tempo escénico permite introducir sutiles remates que desencadenan la risa o el llanto. Re significa el texto y las situaciones hasta llegar a momentos absurdos y de plena vulnerabilidad, generando una verdadera dramaturgia del actor, la dramaturgia del cuerpo. Es en ese disfrutar que la célebre frase de Lecoq se me viene a la mente “el cuerpo sabe cosas que la cabeza aún no.”


El conflicto del clown se hace evidente y disfrutable al mismo tiempo. Todo esto presenta el equipo creativo de Top, top, top que sabe combinar la técnica del payaso con la poesía necesaria. La paleta de colores, tanto del vestuario como de la escenografía, apela a los viejos retratos de colores gastados, frases del texto que vienen con cierta carga de antes, se huele la historia por todos lados, una herencia que nos recorre: las fotografías, los caramelos, los muñecos, el tren y un adulto que juega a ser y no parecer.

Adentrarnos en el corazón de un clown que navega desde el amor y la fragilidad. Un gesto simple, una historia que se vuelve mágica; los dioses payasos volvían a tocar mi puerta nuevamente…y yo les creí porque había verdad y entrega, porque en su relato vi el mío y el de mi familia. Leer el viento, abrazar la luna, atravesar el mapa juntos.

Funciones

Espacio Aguirre en Aguirre 1270.
Tel: 48541905
Entrada: $100
Día de la última función: 14/11
Hora: 23 hrs.


Ficha técnico artística.

Autoría: Hernan Carbón, Marcelo Katz
Actúan: Marcelo Katz
Vestuario: Laura Molina
Escenografía: Analía Gaguin
Iluminación: Fernando Berreta
Diseño de luces: David Seldes
Realización de escenografia: Florencia Borowsky, Analía Gaguin
Música original: Sebastián Furman
Fotografía: Sebastián Gringauz
Diseño gráfico: Andrés Kyle
Asistencia de dirección: Camila Lopez
Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin
Producción ejecutiva: Diego Benjamín Pérez
Coreografía: Diego Bros
Dirección: Hernan Carbón

Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América (Agenda)


10 autores extranjeros | 10 directores argentinos | 10 estrenos en siete salas teatrales de Buenos Aires


Entre el 15 y el 30 de noviembre de 2014 se llevará a cabo en siete salas teatrales de Buenos Aires el Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América, festival especializado en el montaje de literatura dramática extranjera. Diez directores argentinos pondrán en escena piezas teatrales de diez destacados autores internacionales en un espacio de cruce inédito que involucrará a más de cien artistas de Europa y América.

A lo largo de dos semanas, se estrenarán los diez montajes concebidos en el marco del Festival y a partir de febrero del 2015 todas las obras regresarán a la cartelera porteña para realizar temporadas. De este modo, el intercambio entre directores, autores, artistas e instituciones se convertirá en un encuentro transformador y, a la vez, sustentable en el tiempo.

Según el curador del Festiva, Martín Umpierrez, esta instancia constituye "un encuentro, un ejercicio para generar el intercambio entre la obra de autores extranjeros y la dirección de artistas argentinos. Este proyecto, creado junto a EUNIC (European Union National Institutes for Culture), se ubica en la frontera situada entre varios sistemas de producción: el del teatro independiente de Buenos Aires, el de las instituciones culturales internacionales y el de cada uno de los países que participan en esta primera edición. Existe una efervescencia vital en los artistas de la escena local. A partir de este encuentro con autores de América y Europa intentaremos ampliar el campo de trabajo entrelazando distintos modos de hacer, de sentir y de percibir con el fin de fomentar un nuevo entramado para la creación.” 


           

Programación:


Brasil - Agreste, de Newton Moreno, con dirección de Elisa Carricajo

Basada en hechos reales, Agreste es un drama de amor y pobreza. Es un poderoso manifiesto poético, una fábula sobre la intolerancia, los prejuicios y la ignorancia. La obra gira en torno a la complejidad de las relaciones humanas.
 
Funciones: domingos 23 y 30 a las 20,30 hs. en El camarín de las musas, Mario Bravo 960.
 
Francia – Al mundo, de Joël Pommerat, con dirección de Natalia Casielles

En un encierro sombrío, como un abismo, como un vientre, una familia se protege de la luz y del afuera. Cada uno busca con obstinación su verdad, pero cuanto más avanza la búsqueda, más es lo indecible: el misterio nutrido de deseo y de confusión que se vuelve evidencia.
 
Funciones: lunes 24 a las 21,30 hs. y sábado 29 a las 23 hs. en La Carpintería Teatro, Jean Jaures 858
 
Alemania - Cotidianidad y éxtasis. Un cuadro de costumbres, de Rebekka Kricheldorf, con dirección de Mariana Chaud

Una sátira social que muestra cómo la búsqueda del yo y el deseo de autorrealización toman absurdos caminos en nuestra sociedad de ritmo de vida acelerado y opciones múltiples.
 
Funciones: lunes 17 y 24 a las 21 hs. en Hasta Trilce, Maza 177
 
Suiza - Demasiado cortas las piernas, de Katja Brunner, con dirección de Diego Faturos

Una familia pequeño-burguesa: el papá, la mamá, una niña. Todo podría ir bien pero algo sale muy mal: el padre ama a la niña “sin límite”. Ese amor, sin embargo, es algo normal para la niña, que se debate en un entramado de voces y discursos terapéuticos, morales y personales.
 
Funciones: jueves 20 a las 21 hs. y sábado 29 a las 23 hs. en Timbre 4, México 3554
 
Italia - El sueño de Hipatia, de Massimo Vincenzi, con dirección de Analía Couceyro

El espectáculo narra el último día de la vida de Hipatia, primera matemática de la historia, hasta su atroz final. La narración lineal se alterna con la voz, cada vez más prepotente, de la autoridad política y religiosa.
 
Funciones: domingo 16 a las 21 hs. y viernes 21 a las 18 hs. en Elefante. Club de teatro, Guardia Vieja 4257
 
Austria - Hamlet está muerto. Sin fuerza de gravedad, de Ewald Palmetshofer, con dirección de Lisandro Rodríguez

Ya es hora de que por fin pase algo. Pero no se puede esperar ayuda desde arriba, porque lamentablemente el cielo está vacío.  Tal vez sea cuestión de tensar la cuerda, como para poner todo en movimiento.  Si, de todos modos, muere gente todo el tiempo.
 
Funciones: domingo 16 a las 17 hs. y jueves 20 a las 20 hs. en Elefante. Club de teatro, Guardia Vieja 4257
 
España - Humo, de Josep Maria Miró, con dirección de Ana Katz

Dos parejas se verán obligadas a quedar recluidas en el hotel de un país extranjero, ya que se han extremado las medidas de seguridad por un estallido de violencia. El encuentro pone de manifiesto los frágiles equilibrios, en una espiral de mentiras y traiciones.
 
Funciones: sábados 15 y 22 a las 21 hs. en Hasta Trilce, Maza 177

Reino Unido - La ciudad, de Martin Crimp, con dirección de Cristian Drut

Lo aparentemente intrascendente supura un juego de suposiciones. Un matrimonio bien constituido con unos hijos adorables y una vida estable, bien organizada. Una misteriosa enfermera entra en escena para aumentar la tensión.
 
Funciones: viernes 21 y 28 a las 23 hs. en el Teatro del Abasto, Humahuaca 3549

Uruguay - Medea del Olimar, de Mariana Percovich, con dirección de Román Podolsky

Un unipersonal basado en hechos reales.Una mujer oriental cuenta una versión posible de un hecho demasiado cruel.Una diosa vacuna rural. Una maga en medio de la sequía.Una Medea sin furor.
 
Funciones: domingos 23 y 30 a las 20 hs. en El camarín de las musas, Mario Bravo 960

Croacia - Mi hijo sólo camina un poco más lento, de Ivor Martinic, con dirección de Guillermo Cacace

En el centro de atención está la relación entre la madre y el hijo que padece una enfermedad innombrada. El drama hace la pregunta fundamental sobre cómo aceptar al Otro, diferente, al que queremos, pero no podemos y no sabemos ayudar.
 
Funciones: viernes 21 y 28 a las 21 hs. en Apacheta Sala/Estudio, Paso 623

La fiesta de cumpleaños, de Harold Pinter (Teatro)



Un matrimonio, de personas mayores, alquila habitaciones de su casa. Desde hace tiempo, tienen un solo inquilino: Stanley, un pianista que abandonó sus proyectos de músico y decidió refugiarse en ese hogar. Él y la dueña de la casa, Meg, mantienen una relación que roza lo maternal y, por momentos, lo erótico. Dos extraños interrumpen esa armonía alquilando otra habitación y, además, llegan para incomodar al pianista. En complicidad con Meg, le organizarán al músico una fiesta de cumpleaños, negada por el propio agasajado. Una serie de acusaciones y acciones que van desde lo extraño, lo violento y lo cómico mantiene al espectador en un permanente estado de alerta. 
La prensa británica denominó a la dramaturgia de Harold Pinter con el rótulo de  "teatro de la amenaza". La fiesta de cumpleaños es un gran exponente que explica este nombre.
Ese estado de alerta y el efecto de tensión constante son logrados gracias a las muy buenas actuaciones del elenco. Stanley, interpretado por Aníbal Brito, no abandona nunca el malhumor y los deseos de permanecer encerrado en esa casa. Meg -Marita Llorens- es una ama de casa que quiere dejar a todos contentos con intenciones de recibir algo de atención a cambio. 

Por su parte, Alejandro Cardo se viste de Petey, el dueño de la casa que solo cumple con ir a trabajar por más que esté mal de salud. Julio Pallares es Goldberg, el inquilino nuevo que no duda en mostrar prepotencia y cinismo frente a sus interlocutores, siendo el personaje más amenazante de todos. Además, Ariel Morosin hace de McCan, el colaborador de Goldberg que se mueve como un extraño jorobado, ayudante de algún oscuro conde. Y Rocío Ambrosini asume la piel de Lulú, una joven que solo busca pasarla bien con quien sea.

La música suma en su justa medida al clima de la obra desde el momento en que se abren la puertas de la sala, recibiendo al público una melodía de piano no muy feliz, por más que sea de cumpleaños. 

La iluminación ayuda al espectador a transportarse a las sensaciones oscuras de los personajes. La escenografía muestra el comedor de la casa, una escalera que se dirige a las habitaciones y una mesa en el centro que deja de ser mesa en el momento de mayor tensión para luego volver a ser un simple mueble. El vestuario es correcto: dice todo lo que los personajes no expresan con palabras.

La sala Hasta Trilce, ubicada en el barrio de Almagro, es también un bar. Como si fuera a propósito, tal vez sí lo sea, nos anticipa la estética que La fiesta de cumpleaños propone. El espectador espera a que se dé sala en un contexto de mesas y sillas antiguas, decoración vintage y música de época.

Teatro: Hasta Trilce. Maza 177. CABA.
Funciones: Domingos 20:30.
Entadas: 100 Pesos. Est. y jub 80.

Ficha técnico artísitca
La fiesta de cumpleaños, de Harold Pinter.
Traducción de Rafael Spregelburd.
Dirección: Marina Kryzczuck.
Elenco: Aníbal Brito, Martia Llorens, Alejandro Cardozo, Julio Pallares, Ariel Morosin y Roció Ambrosini .
Vestuario: Anahí Ferrando.
Música original y diseño sonoro: Matías Niebur y Nicolás Bari. 
Escenografía: Antonio Regueiro.
Diseño de luces: Damián Monzón.
Maquillaje: Atina del Valle.