Tic tac, el héroe del tiempo, de Omar Álvarez (Teatro)

Por Másako Itoh.

Un señor reloj despertador con chaleco, moño y saco de pana riega flores de pétalos de aspas de ventilador. Un lugar lleno de relojes antiguos de distintos tamaños y sonidos, ruedas de bicicletas que son lámparas, bombillas tenues colgantes y una copa de cristal que resulta ser la más exquisita bailarina.

En su última obra, la Compañía Omar Álvarez construye un universo propio que va más allá del mundo físico captado por nuestros sentidos y que tiene que ver con lo simbólico, con los objetos que se completan a base de la sensibilidad y la imaginación del espectador.   

Tic tac, el héroe del tiempo es una pantomima en clave de alegoría que presenta los avatares de un antiguo reloj despertador en su lucha contra Wifi, un inescrupuloso Movicom de saco y corbata cuya única motivación pareciera ser su extrema rapacidad.

Con personajes que no hablan, pero que se expresan a través de gestos, movimientos y música, la pieza se instala en el límite entre el relato y lo puramente contemplativo, ya que al no contar con palabras, se anula automáticamente la posibilidad de la moraleja, dejando al espectador el camino libre para asignar sus propios significados.

¿Quién es Tic tac? ¿La personificación del tiempo a secas? ¿Del tiempo humano, del tiempo del ocio o del tiempo de la no productividad? ¿Será un dios o un hombre común, o “el hombre común”? 

El personaje cobra impulso gracias a la magnífica manipulación titiritera, acompañada por una atmósfera singular, con reminiscencias a las moralidades teatrales medievales, en las que el protagonista es una personificación de diversos atributos morales, pero donde se deja un amplio espacio al misterio, a lo mágico, a lo que no se puede poner en palabras.

En absoluta armonía con este universo poco habitual, una pantalla hace su aparición. Sus imágenes no chocan ni interrumpen la atmósfera lograda. Unas veces representa la continuidad del espacio teatral, otras veces sobreimprime varias imágenes, generando una sensación de ventana que se abre hacia el infinito para decir algo. Porque, curiosamente, en esta obra donde ningún personaje tiene la palabra, es esta pantalla misteriosa la que tiene voz, y es una voz crítica, por fortuna.

Tic tac, el héroe del tiempo es una de esas joyitas que plantean un verdadero universo simbólico, universo que resulta ser el verdadero hogar del ser humano.

Dónde: Centro Cultural de la Cooperación. Corrientes 1543.

Cuánto: $ 200,00.

Cuándo: Domingos a las 17:00 hs (hasta el 29/04/2018).

Ficha técnico-artística

Autor: Omar Álvarez.

Titiritero: Omar Álvarez.

Diseño original de personajes: Darío “Maraña Gestual” Martínez.

Diseño de títeres y mecanismos: Alejandra Farley.

Equipo de realización de títeres y vestuario: Alejandra Farley, Ioia Iohakura, Javier Laureiro y Efraim Timossi.

Diseño y Realización de objetos: Darío “Maraña Gestual” Martínez.

Diseño y Realización escenográfica: Leticia Ragozzino/Omar Álvarez.

Diseño y realización en Pop Up: Gabriel Civale.

Realización y edición multimedial: Julián Aguirre.

Asistencia técnica: Silvia Biscione.

Diseño de iluminación: Omar Álvarez.

Dirección: Omar Álvarez.

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Vientre, de Gabriel Graves y Marcos Arano (Teatro-Varieté)

Por Victoria Cestau.

¿Cómo desarticular todo un sistema? ¿Cómo resignificar nuestras prácticas cotidianas? ¿Renacer? Dejar morir antiguos patrones, tomar conciencia. Un movimiento que al principio incomoda, nos hace sentir extraños, pero -al fin y al cabo- estamos llamados para engendrar el cambio. Un cambio que recorre más de un siglo, un cambio que nace desde donde nació todo: el vientre, un símbolo con varios significados, un espacio donde ahora la Historia debe de ser parida.

Visibilizar ciertas problemáticas sociales ha sido el desafío para algunos artistas. Gracias a su compromiso, hemos podido como sociedad poner en discusión determinados comportamientos, que van desde el uso del lenguaje, hasta la adquisición y naturalización de conductas, visiones y mandatos que ya desde hace un tiempo están oxidando la posibilidad de ser mejores. 

Esta obra tiene el compromiso asumido y el aún más grande desafío de todos los tiempos, de hacerlo a través del humor. Creo que han asumido el mejor y el camino más difícil para hacer teatro: interpelar al público más allá de las pequeñas subjetividades: “me gustó”, “no me gustó”. ¿Qué te sucede como persona cuando vas al teatro y delante de tus ojos el grito feminista se hace poesía?

Me siento en la butaca como público y lo primero que me genera es la provocación de ser mujer en este siglo, de ser clown como las compañeras que veo y de sentirme totalmente identificada. De ver en sus reclamos y su arte una parte mía allí, que se proyecta de una forma fantasmagórica, porque viene de antes, de recorridos históricos, de nombres de mujeres que resuenan en la sala y que con sólo pronunciarlas se me eriza la piel. Entonces escribo esta reseña desde la mujer que sueña, quiere y lucha por un mundo mejor. 

La obra es una cita obligatoria para todas nosotras y para todos aquellos varones que también quieran la igualdad de derechos que nos corresponde. Vayan a verla, vayan en grupo, discutan después, estamos continuando una lucha que siempre existió, porque siempre hubo desigualdad. 

Vientre nos recuerda de dónde venimos. Una canción de cuna. Un llanto, un grito, los primeros pasos, un reclamo que celebramos desde el arte.   

  

Cuándo: Domingo, 20hs.

Dónde: La Carpintería, Jean Jaures 858 – CABA. TEL: 4961-5092.

Cuánto: $250. Jubilados y Estudiantes: $200.

Fícha técnico artística

Dirección Musical: Ian Sifres.

Dirección: Marcos Arano.

Elenco: Victoria Pescara, Marcelo Sapoznik, Rodrigo Frascara, Luna Ventura, Carolina Maldonado, Manuel Oucinde, Luciana Ramos, Paola Sanabria, Manuela Bottale, Rocío Rodríguez Paz, Florencia Catenaccio, Alejandro Jorge Dubal, Viviana Lastiri, Lala Buceviciene.

Músicos: Agustín Vanucci, Bruno Leichman, Eugenia Blanco, Franco López Lameiro, Gina Locatelli, Jazmín Laurenza, Olivia Dalez.

Cantantes: Eugenia Encina, Liliana Isaguirre.

Dramaturgia: Gabriel Graves y Marcos Arano.

Diseño de luces: Alejandro Velazquez.

Escenografía: Marcelo Valiente.

Vestuario: Jazmin Savignac.

Utilería: Ileana Vallejos.

Coreografía: Gabi Goldberg.

Máscaras: Andrea Picón, Nicolás Roura Picón.

Diseño de esqueletos: Paola Sanabria.

Diseño de arte: Romina Salerno.

Prensa: Mas Prensa, Cecilia Dellatorre y Analía Cobas.

Asistencia de Dirección: Julia Pinedo y Carolina Portnoy.

Producción Ejecutiva: Viviana Lastiri.

Co-Producción: Fundación CYC Arte.Industrias Culturales.

Duración: 80 minutos.

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Poema ordinario, de Juan Ignacio Fernandez (Teatro)

Por Patricia Signorelli.

Una casa a la vera de un río. Una familia, o lo que queda de ella, compuesta por una madre, una hija, un ingeniero que vino por trabajo y les alquila el cuarto del fondo, y -finalmente- un hijo que vuelve después de algunos años. Todos ellos son los personajes de esta historia, quienes habitan las noches de la casa entre cervezas y charlas que, por un lado, van develando una trama familiar de ausencias y secretos y, por el otro, son el escenario de una historia de amor. 

Las noches se suceden en el tiempo de un ciclo lunar, mientras la casa es amenazada por un animal extraño que viene del agua y acecha en la oscuridad. No se ve pero se oye, también se oyen los rumores que hablan de jóvenes que aparecen muertos en el río. Sin embargo, la amenaza real de esta familia no viene de afuera, sino de su propia conformación, una amenaza que retorna y habita en el corazón mismo de los lazos, en el secreto de un abuso incestuoso y en la pelea por la vida.

La idea de ciclo, de construcción circula, no se corresponde aquí con la repetición exacta, sino con la certeza de que en cada retorno lo que suceda va a ser peor, como el anuncio de un final irremediable que se escribe en cada huida y regreso del hermano. La destrucción se incrementa a pesar del amor, tanto filial como pasional.  El espectador no puede escapar a esa sensación de que nada evitará un destino fatal, solo la detención momentánea, es decir, el aplazamiento en el tiempo que provoca el abandono del hermano.

Una bella propuesta, y un mundo que nos invita a entrar desde el momento preciso en que ingresamos a la sala y esperamos a que comience la función, sentados en esas sillas que luego, como por arte de magia, se vuelven parte de la escena. En relación a esto hay que destacar principalmente el trabajo escenográfico de José Escobar, el diseño sonoro de Agustín Valero y el diseño lumínico de Soledad Ianni, ya que juntos logran construir un espacio tan contundente como atrapante.

Un trabajo que conjuga todos los elementos que componen una buena obra de teatro:  un muy buen texto del dramaturgo Juan Ignacio Fernández (que ha recibido el Segundo premio del 19° Concurso nacional de obras de teatro del INT), buenas actuaciones y una muy buena puesta en escena.  

Poema Ordinario puede verse en la sala Moscú, Camargo 506 Caba, los sábados a las 22:00 hs. y los domingos a las 18:00 hs. Las entradas están a 250p y 200p (hay descuento para jubilados y estudiantes).

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Juan Ignacio Fernández.

Actúan: Cecile Caillon, Fernando Morales, Julieta Timossi, Ignacio Torres.

Diseño de vestuario: Eugenia Limeses.

Diseño de escenografía: Jose Escobar.

Diseño de luces: Soledad Ianni.

Diseño sonoro: Agustín Valero.

Fotografía: Pilar Montaron.

Diseño gráfico: Tatiana Schumovich.

Asistencia de dirección: Fernanda Pérez Bodria.

Prensa: Carolina Alfonso.

Producción ejecutiva: Cecilia Santos.

Dirección: Lisandro Penelas.

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Sopa de estrellas, basada en un cuento de Mercedes Pérez Sabbi (Teatro)

Por Másako Itoh.

Un niño llamado Blas recorre la ciudad juntando cartones, con la sola compañía de su perro Chispa. Con imaginación y mucho empuje, el mismo que el pequeño necesita para mover su desvencijado carrito, aprenderá a sortear sus dificultades –perderlo todo tras una inundación- sin dejar de tener mirada de niño y gracias a una corriente de solidaridad propiciada por sus vecinos. 

Tal vez esto la convierta en una obra que deslumbra, en el sentido más amplio de la palabra, porque aborda la fuerza revitalizadora de la amistad para un chico que vive en un contexto de total desamparo. Planteada en un lenguaje encantador y risueño, el espectáculo es una chance para ver un protagonista distinto, un niño trabajador, y para soñar con un mundo de vecinos solidarios que colaboran en alargar lo máximo posible las infancias recortadas.

Basada en el cuento homónimo de Mercedes Pérez Sabbi, pero con adaptación teatral de Carlos Piñero y Fernán Cardama, la obra -en sus 40 minutos de duración- es un pergeñado despliegue de encanto y sencillez. 

Una ciudad de cartón, a veces iluminada, otras, envuelta en la ilusión de una maravillosa tormenta; un carrito de cartoneo, de diferentes tamaños y envergaduras, ofreciendo al espectador distintos lentes de aumento a través de los cuales observar la vida de Blas; un intérprete, Fernán Cardama, que pivotea entre personaje clownesco, narrador y demiurgo, presentan una historia cuyos objetos y títeres de cartón parecieran cobrar vida. 

Podría decirse que en Sopa de estrellas son también protagonistas la escenografía y el diseño de los objetos, a cargo de Pablo Lavezzari; la iluminación, de Juan Pieroni; la música original, de Gastón Garrido; y, por supuesto, la omnisciente mirada de dirección de Carlos Piñero. En conjunto, estas piezas multiplican un texto perfecto hasta la enésima potencia para hacer una obra de teatro de títeres realmente inolvidable. 

Dónde: Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini (Av. Corrientes 1543, CABA). Sala Osvaldo Pugliese.

Cuándo: Sábados 17:00.

Cuánto: $200 (promo 2x1 Club La Nación). Menores de 2 años sin cargo.

Público: Familiar y niñ@s a partir de 5 años.

Ficha técnico artística

Cuento Original: Mercedes Pérez Sabbi.

Adaptación: Carlos Piñero y Fernán Cardama.

Intérprete: Fernán Cardama.

Dirección: Carlos Piñero.

Idea y Producción: Fernán Cardama y Luciana Reynal Machado.

Escenografía: Pablo Lavezzari.

Iluminación en escenografía: Juan Pieroni.

Diseño de objetos: Pablo Lavezzari.

Música original: Gastón Garrido.

Edición Musical: Rubén "el flaco" Kavanagh.

Fotografías: Ramiro Peri.

Diseño Gráfico: Federico Barquero Mesa. 

Gestión y distribución: Luciana Reynal Machado.

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Pozo, de Santiago Legón, George Lewis y Juliana Ramírez (Teatro)

Por Victoria Cestau.

Clotilde es una payasa que se nos presenta viviendo su cotidianeidad. Un sillón, un teléfono, una radio, sus objetos son su alma. Una de las preguntas más importantes de su vida parece nunca responderse, ¿mate dulce o amargo? Lo simple que esconde la rutina, un círculo lleno de pequeñeces, parece alimentar las preguntas universales. La soledad, el espacio vacío.

La protagonista de Pozo muestra un universo particular. Su mundito habitado por sus torpezas de payasa.

Vemos a una actriz que -bajo su nariz de clown- compone un personaje en detalle. Los objetos que la rodean, la escenografía y el vestuario son sus compañeros de escena, a los cuales manipula a la perfección.

Aquí, muchos procedimientos de la metodología del clown propios de la comicidad son puestos en juego, como la repetición de las acciones físicas, capaz de resignificarlas y tocar lo absurdo; la desproporción entre causas y efectos (de manifiesto en su cuerpo). También brota la picardía del clown, la inocencia, la mirada a público.

Juliana Ramírez está presente, siempre nos incluye en su relato atravesado por una inmensa peluca y unos anteojos que miran más allá. Sonidos del exterior, una voz al teléfono, un timbre, la vecindad y la música que llega de otro lugar son algunas razones que la conectan con el afuera. Todas parecen lejanas. Todas retratan su soledad.

En tiempos rápidos y vínculos líquidos, Clotilde muestra la cara de la otra moneda. Tiene todo el tiempo del mundo para ella. ¿Y los demás?      

Funciones: Viernes a las 22:00.

Lugar: Teatro El Excéntrico de la 18° (Lerma 420, CABA).

Entrada: $ 250 | Estudiantes y jubilados: $200-

Reservas:Desde Alternativa Teatral o llamando al 4772-6092.

Ficha técnico-artística

Actuación: Juliana Ramírez. 

Dramaturgia: Santiago Legón, George Lewis y Juliana Ramírez. 

Diseño de Escenografía, Utilería y Vestuario: Analía Gaguín.

Realización de Vestuario: Verónica Dorado.

Diseño de Luces: Christian Gadea.

Edición de Sonido: Martín Pompei. 

Ilustración y Diseño Gráfico: Inés Narvarlatz.

Fotografía: Santiago Legón.

Prensa: Octavia Comunicación.

Producción General: Compañía Clowneros.

Asistente de Dirección: Santiago Legón.

Dirección: George Lewis.

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Los Tutores, de Carlos La Casa (Teatro)

Por Juan Carlos Dall'Occhio

La obra ganadora del Contar 3, escrita por Carlos La Casa en asociación y dirección de Daniel Cúparo, es una desopilante comedia que se desarrolla en un espacio inusual para la cartelera comercial porteña: la Dirección de una escuela secundaria privada.

Los “papis, mamis o tutores” son citados por la directora debido a un episodio captado por las cámaras de seguridad que sobrevuela lo criminal e involucra a sus hijos adolescentes. A partir de allí, la obra dispara una negociación feroz capaz que sortear todo tipo de barreras éticas, económicas y académicas.

La dramaturgia está justa en cada detalle del género, la acción nunca se detiene y los gags son excelentemente aprovechados en la dirección. 

El gran elenco propone actuaciones parejas, con puntos muy altos de Mónica Cabera, como la directora extorsionadora, y Laura Oliva, la madre exigente que todo lo sabe. El resto de los personajes se componen con efectividad en su estereotipo: Ludovico Di Santo como el político “chanta”, Paula Kohan como la madre joven que en su búsqueda superficial de la espiritualidad termina colisionando contra los propios productos que consume, y Dan Breitman, un padre homosexual que entra en permanente conflicto con la idiosincrasia conservadora (y por momentos reaccionaria) del único tutor de la reunión, el gran Hugo Arana, el “abuelito”, que con gran talento se ajusta a lo que propone su personaje.

En lo referido a la puesta visual, el vestuario y la escenografía son precisas hasta en el más mínimo detalle. La iluminación de los espacios es clara y acompaña excelentemente la estética del relato de la pieza.

Producida por Painita Producciones, Los Tutores es una comedia nacional que vale la pena como entretenimiento, ya que nunca decae en su ritmo, aunque vale destacar que en su afán de comedia nacional roza lugares que son ideológicamente discutibles.

Dónde:  Paseo La Plaza, Sala Pablo Neruda (Av. Corrientes 1660. CABA).
Cuándo: Jueves y domingo 20:30 hs.; viernes 21:30 hs.; sábado 20 y 22 hs.
Cuánto: Desde 550p.

Ficha técnico-artística

Elenco: Ludovico Di Santo, Paula Kohan, Hugo Arana, Laura Oliva, Dan Breitman, Mónica Cabrera-

Dramaturgia: Carlos La Casa.

Dirección: Daniel Cúparo.

Producción: Mauricio Benadon.

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Secreta, de Lucila Cornejo (Literatura)

Por Karina Crulcich.

La segunda novela de la autora está protagonizada por una mujer que vive dos vidas en una. Entre situaciones que la desbordan –un divorcio, dos hijos y un novio que no ama- y una rutina monótona que la agobia, ella se topa –literalmente- con un hombre que le hace una propuesta que pensó jamás aceptar, pero acepta.

Secreta ronda la independencia femenina y la elección de una vida propia –en este caso, la de Mercedes- bajo sus normas y pautas, más allá de lo socialmente establecido. ¿Qué pasa si se rompe el molde? ¿Qué sucede cuando el intercambio de sexo va más allá del objetivo de sentir y dar placer? ¿Cómo se realiza un auto-cuestionamiento luego de vivir 40 años de una determinada manera? ¿Cómo lidiar con las culpas y prejuicios impuestos por la sociedad durante años? ¿Cómo decide una mujer ser dueña de su propio cuerpo sin importar la opinión ajena?

El título, editado por Vinciguerra en 2017, es una muestra de que la lucha feminista nos ha abierto muchas puertas, pero que queda mucho trabajo por realizar; mucho camino por recorrer para lograr una apertura mental necesaria que haga desistir al poderío patriarcal que aún en 2018 existe y funciona perturbando la igualdad de derechos y oportunidades entre los géneros.

Como escribió la periodista Mariana Carbajal en una nota de Página 12 hace algunos días, “no nacemos feministas. Nos hacemos. A veces, sin darnos cuenta. Es un aprendizaje. Una actitud. Una forma de mirar y de ver”. Mercedes eligió por ella misma como primer paso hacia su propia libertad.

Detalle

Lucila Cornejo, Secreta.

Buenos Aires, Vinciguerra, 2017.

ISBN 978-987-750-165-0

359 págs. $340

Un poco sobre la autora

Lucila Cornejo nació en Buenos Aires en 1973. Estudió Administración de Empresas en la Universidad Católica Argentina y se desempeñó durante mucho tiempo en el área de marketing de diferentes compañías.

Desde chica disfrutó de viajar y escribir, y al día de hoy cuenta con infinidad de diarios de viaje compilados durante años así como una cantidad de cuentos y relatos cortos de su autoría. En el 2015 publicó su primera novela, Descalza.

Asiste al taller literario Tangerina de Ana Guillot desde 2008, con quien ha realizado además diferentes cursos y seminarios.

Leé acá la reseña de Descalza, la primera novela de Cornejo.

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